Skóre pro neurčitou skladbu Johna Cage „Fontana Mix“ (obrázek: BBC Radio 3)
S rozvojem notace hudby byla hudba osvobozena od citlivých svazků ústních a sluchových tradic. Standardizovaná základní struktura znamenala, že všechno od gregoriánského chorálu po „Johnny B Goode“ bylo možné relativně snadno zachovat a rozšířit. Počínaje roky po druhé světové válce se však někteří progresivnější hudebníci a skladatelé začali domnívat, že hudební štáb může být více omezující než osvobozující, a začal experimentovat s novými výraznějšími formami zápisu grafické hudby.
Americký skladatel John Cage prozkoumal možnosti využití a neurčitosti ve svých hudebních skladbách s cílem vymazat jeho vlastní subjektivitu z jeho hudby, z rukou umělců, jak tomu bylo. Aby Cage sdělil své neurčité „kompozice“, aby používal termín volně, vyvinul Cage komplikované metody grafické notace zahrnující řadu fólií. Nejprve použil tuto metodu v skóre 1958 pro „Variace I“, které sestávalo ze šesti průhledných čtverců - jednoho se 27 body představujícími zvuk a pěti s pěti řádky představujícími jakoukoli přiřazenou hudební hodnotu. Kompozice byla odvozena umístěním čtverců na sebe v jakékoli kombinaci. Cage by pokračoval ve vývoji a rozšiřování této metody v 50. a 60. letech, jak je vidět na horním obrázku zobrazujícím poněkud komplikovanější skóre pro „Fontana Mix“. tečky, jedna průhlednost nesoucí přímou čáru a deset listů papíru, na kterých byly nakresleny barevné čtverečky, a „štítek“ jako papírový papír. Průhledné fólie byly použity k odvození souřadnic, které byly poté použity k určení, která páska byla použita, jako stejně jako hodnoty zvuku z pásky: délka (v palcích), hlasitost, zabarvení atd. Podle Průvodce veškerou hudbou ke klasické hudbě popsal Cage skóre jako „fotoaparát, ze kterého může kdokoli pořídit fotografii“.
Skóre pro „kyvadlovou hudbu Steve Reicha“ (obrázek: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
Skóre za „kyvadlovou hudbu Steve Reicha“ (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) Skóre Steva Reicha pro „kyvadlovou hudbu“ je přímá písemná sada pokynů popisujících, jak je díl inscenován a proveden. Výše uvedený záznam vytvořila společnost Sonic Youth pro své album SYR4: Sbohem 20. století z roku 1999 . Části ručně psaného skóre jsou trochu obtížně čitelné, takže zde je přepis:
„2, 3, 4 nebo více mikrofonů jsou zavěšeny na strop pomocí kabelů, takže všichni visí ve stejné vzdálenosti od podlahy a všichni se mohou volně otáčet kyvadlovým pohybem. Kabel každého mikrofonu je zapojen do zesilovače, který je připojen k reproduktoru. Každý mikrofon zavěsí několik palců přímo nad nebo vedle reproduktoru.
Představení začíná tím, že si umělci vezmou každou miku, odtáhnou ji zpět jako houpačku a poté je všechny uvolní společně. Účinkující pak opatrně otočí každý zesilovač právě do bodu, kde dochází ke zpětné vazbě, když se mikrofon otočí přímo nad nebo vedle reproduktoru. Takto je vedena řada zpětnovazebních impulsů, které budou buď všechny v jednom souboji, nebo nebudou v závislosti na postupně se měnících fázových vztazích různých kyvadlových kyvadel.
Interpreti se pak posadili a sledovali a poslouchali tento proces spolu s publikem.
Kus je ukončen někdy poté, co se všechny mikesy uvolnily a přivádějí nepřetržitý tón účinkujícími, kteří vytáhli napájecí šňůry zesilovačů. “
Grafický zápis Briana Ena pro hudbu pro letiště (zveřejněno na zadní straně rukávu alba) V roce 1978 muzikant Brian Eno vytvořil klíčové album Ambient 1: Music for Airport . Eno vytvořil termín „ambient“, aby popsal tuto atmosférickou zvukovou scénu a odlišil ji od konzervované „výtahové hudby“ propagované Muzakem. Vytvořil tak nejen album, ale i celý hudební žánr. Eno byl inspirován skladateli jako Cage a Reich, ale neměl formální hudební výcvik. Na dotaz v rozhovoru, proč se nikdy nenaučil číst hudbu, odpověděl Eno, který raději skládal přímo na pásku, odpověděl:
"Nebylo by to pro mě moc užitečné." Byly jednou nebo dva případy, kdy jsem byl někde uvíznut bez páskového magnetofonu a měl jsem nápad, pokusil se ho zapamatovat, a protože dobrý nápad téměř vždy spoléhá na nějakou neznámou nuanci, je proto automaticky těžké si pamatovat. Takže při těch velmi vzácných příležitostech jsem si myslel: „Bože, kdybych to mohl jen napsat.“ Ale ve skutečnosti má spousta toho, co dělám, se zvukovou texturou a stejně to nemůžete zaznamenat ... To proto, že hudební notace vznikla v době, kdy byly zvukové textury omezené. Pokud jste řekli housle a dechové nástroje, které definovaly zvukovou strukturu, pokud řeknu syntezátor a kytara, nic to neznamená - mluvíte o 28 000 proměnných. “
Namísto tradiční notace pak Eno vytvořil výše uvedenou grafiku, která se zdá být více zaměřena na komunikaci vizuálního dojmu hudby a není skutečně zamýšlena jako vodítko pro skutečné přehrávání hudby.
Stránka skóre k „Polymorfii“ Krzysztofa Pendereckiho (Ex Tempore) „Polymorfii“ Krzysztofa Pendereckiho zadalo v roce 1961 Severoněmecké rádio v Hamburku. Jak název napovídá, tento kus má vskutku různé podoby a dramatické změny v jednotlivých sekcích. S „Polymorfií“ Penderecki hledal nové zvukové možnosti, a pokud tyto možnosti zahrnují „děsivou strašidelnou domácí hudbu“, naprosto ji přibil. Skladba je určena pro 48 smyčcových nástrojů a zdůrazňuje spíše zabarvení než rozteč a srážku těl vytvářejících zvuk z kovu, dřeva nebo kůže - to, co hudební učenec Danuta Mirka označuje jako „primární materiály“ skladatele. Zápis byl inspirován zčásti elektroencefalogramy - vizuálními měřeními mozkové aktivity. Vyhýbá se tradičním opatřením ve prospěch skóre rozděleného do sekcí s proměnnou délkou a v některých sekcích dalších vertikálních divizí pro označení každé sekundy, s „celkovým roztečovým prostorem“ popisujícím relativní rozteč každého nástroje.
Strana 183 skóre pro „Treatise“ od Corenlius Cardew (Spiral Cage) Anglický skladatel Cornelius Cardew's „Treatise“ byl napsán v letech 1963-1967. Skládá se z 193 stran grafické notace, která používá nejednoznačné čísla, tvary a symboly, které Carew zamýšlel interpretovat interpretem. Navrhuje, aby se výkonní umělci dohodli na vlastních pravidlech před představením, ale neposkytuje žádné další explicitní pokyny pro interpretaci díla. V příručce „Pojednání“ nabízí Cardew další, kryptické rady, například „Nezapomeňte, že prostor neodpovídá doslova času“ a „Existuje velký rozdíl mezi: a) děláním všeho, co se vám líbí, a zároveň čtením poznámek, a b) čtení zápisů a pokusit se je převést do akce. Samozřejmě můžete nechat skóre fungovat na dříve daném materiálu, ale musíte ho nechat aktivně fungovat. “Jedinou konstantou v celé„ Pojednání “je silně nakreslená„ životní linie “ve středu skóre. To nemá žádnou vnitřní hodnotu, ale je často používán umělci jako základní reference pro hřiště nebo nějakou jinou hudební hodnotu. Nakonec „Pojednání“ je notace jako umělecká forma. Jak Carew říká: „Zápis je důležitější než zvuk. Ne přesnost a úspěch, se kterým notace notuje zvuk; ale muzikálnost zápisu v jeho notaci. “
Šachová notace překrývající obraz hudebního šachového zápasu mezi Marcelem Duchampem a Johnem Cageem (Parsons) Na závěr, poloviční zápis. Počítám to jen jako polovinu, protože používá tradiční notační systém, jen notový notový systém. V roce 1968 hrál John Cage šachový zápas proti Marcelu DuChampovi v rámci kolaborativního představení Reunion (pdf), které také představovalo elektronickou hudbu Davida Behrmana, Gordona Mummy, Davida Tudora a Lowell Cross. Vzhledem k jeho zájmu o náhoda není překvapením, že Cage pojal dílo, ale bylo složeno výše uvedenými hudebníky. Samotná deska byla navržena společností Cross a skryté fotoodpory, kontaktní mikrofony a připojení ke generátorům zvuku. Během zápasu pohyb kusů aktivoval světla a elektronickou hudbu, proměňující výstavní prostředí podle pohybu kusů na desce. Umění šachu se proměnilo v hudbu a světlo, druh strategické synestézie. Je to fascinující nápad. Co by sicilská obrana zněla? Nebo Queen's Gambit?
Výše uvedené příklady představují notaci pro experimentální hudbu i experimentální notaci pro hudbu. Jsou to však jen některé z mnoha způsobů grafické a experimentální notace, které umělci prozkoumali za posledních 60 let. Zatímco někteří umělci považují omezení za inspirativní - i když tato omezení jsou zdánlivě neomezená jako notace hudby - jiní zjistí, že pokrok lze dosáhnout pouze rozbití akceptovaných způsobů produkce a komunikace. A i když výsledky nemusí být vždy příjemné, jsou nepopiratelně zajímavé a představují upřímnou snahu vytlačit uměleckou formu na neprozkoumané území. Avantgarda v pravém slova smyslu.
