https://frosthead.com

David Hockney a přátelé

Velké předpovědi mohou trvat dlouho, než se splní. Když David Hockney, dělnický Yorkshire, opustil Bradfordovu školu v 16 letech, aby odešel do umělecké školy, posoudil ho jeho učitel angličtiny a mistr v těchto termínech: „Má nepochybné schopnosti v umění, zejména v kreslených a psacích textech. Ačkoli je to v zásadě seriózně zaměřený chlapec, dovolil svým spoluobčanům ze svých třetích forem, aby z něj udělali téměř legendární postavu zábavy. Teprve ve svém loňském roce ukázal svou vážnou stránku - ale užili jsme si jeho společnost. “ Ředitel připojil laskavé rozhodnutí: „Přeji mu vše nejlepší ve svém novém startu. Bude rád, že se zbaví„ postavy zábavy “a díky stálé práci a zásluh se stane upřímnou a vážnou osobou.“

Související obsah

  • Proč David Hockney má Love-Hate vztah s technologií

Po půl století byl chlapec z Bradfordu, jak si stále často říká, těžký. Je mu 69 a vyznamenání se nahromadilo. Nová práce se neustále objevuje v komerčních galeriích i v takových institucionálních extravaganzech, jako je Whitney Bienále 2004 v New Yorku a Královská letní akademie umění téhož roku v Londýně.

„Hockney je tak slavný, tak populární, tak skvělý mluvčí a charakter, že ho lze snadno považovat za umělce, “ poznamenal Jonathan Jones, umělecký kritik The Guardian, nedávno. „Jestli jsi kritik, je lákavé dát mu bashu. Ale Hockney je významný moderní malíř. Je to jen jeden z mála britských umělců 20. století, který přidal cokoli do obrazové banky představivosti světa.“

Hlavní retrospektiva je příležitost a taková věc je teď před námi. „Portréty Davida Hockneye“ - představující asi 150 obrazů, kreseb, leptů, fotografických koláží a vodových barev - pokrývá práci více než 50 let. Abecedně je seznam posluchačů v katalogu přehlídky veden od básníka WH Auden (na kterého si Hockney pamatuje jako nevrlý) až po Karen Wrightovou, redaktorku časopisu Modern Painters, hlavně prostřednictvím lidí, o kterých už slyšeli pouze jejich bezprostřední kruhy. Přehlídka debutovala v Muzeu výtvarných umění v Bostonu v únoru a je nyní k vidění v Los Angeles County Museum of Art do 4. září. Los Angeles je jedno z měst, ke kterým jsou Hockneyho vazby nejbližší; druhým je Londýn, kde se turné uzavře v Národní galerii portrétů (12. října 2006 až 21. ledna 2007).

„V této show nejsou žádní okouzlující lidé, “ řekl Hockney v Bostonu. Dějiny západního umění přinesly dva základní typy portrétistky. Na jedné straně profesionální štětec k pronájmu, který se specializuje na bohaté a mocné: Hans Holbein mladší, řekněme, nebo Frans Hals, sir Anthony Van Dyck nebo John Singer Sargent. Pak jsou tu nemilní studenti lidské povahy: Albrecht Dürer, Michelangelo, Rembrandt van Rijn, Vincent van Gogh. Hockney se umisťuje přímo do druhého tábora: portrétista pro umění. Provize, které přijal po celá desetiletí, jsou sotva dost, aby počítaly s prsty jedné ruky.

Počínaje jarem 2005 byl Hockney ponořen do projektu velmi jiného druhu: krajiny jeho rodného Yorkshiru během čtyř ročních období. "Portréty stromů!" vtáhne. Ačkoli on navrhoval návrhy pro aktuální přehlídku, on nevybral obrázky. „Obvykle může být přehlídka portrétů jednoho umělce nudná, “ říká. „Obrazy musejí být zajímavé jako obrazy. Proto bych o tom nepřemýšlel. Nikdy jsem o sobě nepovažoval portrétistu. Ale pak jsem si myslel: Portréty jsem pořád pořád dělal.“ Setkat se s obrazy v tisku u plného soudu je pro něj jako novinka stejně jako pro každého návštěvníka příležitostí.

Nelíbí se mu ani nepotřebuje návštěvníka, že definice portrétu byla někdy natažena za zlomový bod. Představuje vágní autobiografický seriál „A Rake's Progress“ (1961-63) - v 16 satirických leptech jeho prvních dojmů z Ameriky, inspirovaný grafikem 18. století Williamem Hogarthem - v jakémkoli smyslu, portrét? Ne opravdu, víc než jen pohled na nahé v bazénu po celé délce. Přesto existují určité aspekty Hockneyho tvorby - krajiny (Grand Canyon, Hollywood Hills), exotická místa (formální zahrady Japonska, Alhambra), divadlo (honosné soubory pro operní produkce Mozart, Wagner, Stravinsky, Ravel) —Vzniku, který by většina kurýrních kurýrů musela vyloučit. Nezáleží. „Předmětem umění je lidská hlína, “ napsal WH Auden ve svém dlouhém „Dopisu lordu Byronovi“. Hockney miluje pasáž a cituje ji často: „Pro mě je Artovým předmětem lidská hlína / A krajina, ale pozadí trupu; / Všechna Cézannova jablka, kterou bych dal / Pro jednu malou Goyu nebo Daumiera.“ Portréty - lidé - dokazují jedinečně vhodnou čočku, díky které se Hockneyho životní práce soustředí na život. Ve skutečnosti by to mohl být úhledný dotyk, který by recykloval Hockneyho titul pro jeho první samostatnou show v roce 1963: „Pictures with People In“.

Otevření v Bostonu bylo třpytivou záležitostí, bohatě zásobenou, s volně tekoucím šampaňským a otevřeným barem. Přátelé, posluchači portrétů a sběratelé přiletěli přes dva oceány. Když se portréty zobrazovaly ve stejných galeriích jako mnoho živých originálů, svítilo to. "Umění mě nutí vidět!" Hockney říká, že si vzpomněl na čas v Chicagu v roce 1995, kdy velký retrospektiv Monet otevřel oči ke keřům na Michiganské třídě, na „krásu stínu na listu“. V Bostonu tato poznámka nabrala novou rezonanci. výstava nad kuřáckým stanem (umělec je militantní kuřák), jeden měl další příležitost studovat několik jeho předmětů. spontánní hra výrazu - pohled se vrátil a pohled odkloněný, stočený ret nebo stoupající obočí - vykřikl pro rychlou a přesnou ruku velkého skica umělce. Bohužel, ten muž té noci nepracoval.

Hockney byl zavolal na mikrofon v hledišti naplněném na kapacitu a byl v krajnosti krátký. „Měl jsem jednu nebo dvě další velké výstavy, “ začal plachým zářením (nebo to bylo červenání?). „Nikdy by mě nenapadlo dělat portréty. Nevím, co říct. Děkuji vám všem.“ Jeho tvídové šaty a jeho postava se sklonily z celého života za stojanem a vzpomněly si na blafovaného venkovského zemanského pana. Tančící oči a bezmocný úsměv jeho letům odporovaly. Jeho řeč nemohla trvat 60 sekund, ale jeho záře hlubokého potěšení mu umožnila výmluvnost.

Celkově se Hockneyovi líbilo to, co viděl. Následující den ráno procházel výstavou pro další soukromý pohled a schválně přikývl na první ze svých vzácných portrétovaných portrétů: nemocného sira Davida Webstera, odcházejícího generálního administrátora Královské opery Covent Garden, namalovaného v roce 1971. Proti prázdná zeď, Sir David je vidět v profilu a díval se jako unavený orel z opěradla židle Marcel Breuer. Váza korálově růžových tulipánů - Hockneyho oblíbená květina - umístěná nízko na skleněný konferenční stolek přináší kompozici do chladně formální rovnováhy.

Umělec vypadal pochybnější o Fotografovi a jeho Dcerě, od roku 2005, zobrazující Jim McHugh, známý Los Angeles profesionál, a jeho dospívající dcera, Chloe. Provokativní ruku na kyčle, Chloe se dívá ven z plátna, když se její otec dívá ze židle a mnul si bradu. (Někteří diváci si připomněli znepokojující erotiku Balthuse, francouzsko-polského antimodernisty.) Včera předtím, docela růžově, Chloe ubytoval zpravodajské štáby tím, že stál u obrazu a zasáhl stejnou pózu. Ale plátno jako celek je studie o prašném blues, které si Hockney nyní myslí, že by mohlo vypadat příliš suché. Jeho preferovaný poměr oleje k pigmentu by to vysvětlil. „Nepoužívám moc oleje, “ poznamenává. „Z Los Angeles jsem odešel těsně po dokončení tohoto. Jinak bych to nalakoval. Díky tomu jsou také tmavé bohatší.“ Olízne si prst a přejede přes jedno z Chloeových modrých očí a pobouří kurátora. "Vidíš ten rozdíl?" Ano, na sekundu nebo dvě. Poté se stopa odpaří.

V průběhu desetiletí se Hockney vyvinul v živého umělce, který si zaslouží titul Old Master: dychtivý žák Giotta, Jan van Eyck, Leonardo, Caravaggio, Velázquez, Rembrandt, Vermeer a Ingres. Mezi jeho předchůdce mezi moderny patří van Gogh a především Picasso, jehož 30-ti objemový katalog raisonné patří mezi držitele cen. Hockney litoval, že on a Picasso se nikdy nesetkali. Ale po Španělově smrti v roce 1973 se Hockney dozvěděl a pracoval s Aldo Crommelynckem, tiskárnou Picasso po čtvrt století, a Crommelynck řekl Hockneymu, že si byl jist, že by ho „Pablo“ měl rád. Hockney vzdal posmrtný hold Picasso v letech 1973-74 se svým leptem Artist and Model - odhrnul sám sebe (nahý) a starší malíř (v podpisu námořnického oděvu) seděl tváří v tvář přes stůl.

Hockney líčený v Artist and Model vypadá vážně pilně, ale obraz je také půvabný a vtipný. Odešla postava zábavy z gymnázia Bradford někdy pryč? Peter Schlesinger, mladý Kalifornie Adonis, který v roce 1966 putoval do Hockneyho kreslicí třídy na UCLA a stal se jeho múzou a milenkou na dalších pět let, jednou popsal svůj první pohled na umělce tímto způsobem: „Byl to bělený blond; na sobě rajče oblek, zeleno-bílá puntíkovaná kravata s odpovídajícím kloboukem a kulaté černé karikaturní brýle. "

Znovuobjevení umělcova života prostřednictvím portrétů na výstavě může diváky přinutit vrátit se zpět, aby ho viděli tak, jak byl tehdy; díky filmům mohou. Bělená blondýna - Rodinesque postavy, mazlavý, mizerný, jeho nos na plátno - je vidět v celé své podivné slávě v podivné, kdysi skandální, art-house filmu A Bigger Splash režiséra a scenáristy Jack Hazan, poprvé propuštěn v roce 1975. V plynulé směsi dokumentární a spekulativní fikce - část Proust, část Warhol - sleduje film pomalou smrt Hockneyho romantiky se Schlesingerem. Když byl film natočen, Hockney byl jen chlapeckým zázrakem na umělecké scéně, nic poblíž plně rozvinuté mediální hvězdy, kterou měl stát. Ale udělal dobrou kopii. Jako figurativní malíř přicházející ve věku abstrakce měl přitažlivost výstředníka. V účesu Carol Channing / idiot na vesnici, který měl na sobě nesourodé ponožky a prořezával náladový pruh skrz to, co Time nazval Swinging London, vypadal spíše jako klaun, i když většinou smutný.

Přesto v rámci Hazanova vyprávění může divák už zahlédnout Hockneysové, kteří nyní stojí za ikonami umění 20. století: ty výhledy na bezmračné nebe v Kalifornii, palmy (tvrdé nebo spindly) a oh, ty bazény. Více k našemu bezprostřednímu bodu, zachytíme pohledy na standout obrazy z aktuální show: Beverly Hills Housewife (1966), například, který líčí Betty Freeman, který by mohl být přesněji identifikován jako fotograf a patron nové hudby. Stejně tak přítomen: Henry Geldzahler a Christopher Scott, od roku 1969. Geldzahler, dřívější a mocný mistr Hockney's, držel posloupnost vlivných kulturních pozic v New Yorku (včetně kurátora umění 20. století v Metropolitním muzeu umění) až do své smrti v 1994. Nebyl hezký, ale měl přítomnost. Ve dvojím portrétu imperializuje střed růžové pohovky Art Deco vágně připomínající otevřené mušle. Jeho portální rám je oblečený do třídílného obleku a kravaty, bez bundy. Kůže se zobrazuje nad ponožkou na pravé holeně. Rty se rozdělily, sedavé, soudné a vzdálené, zíral zpoza bez okrajových brýlí a zamrzl svého partnera, Scotta, který stojí v profilu úplně vpravo v opasku. V Hazanově filmu je Geldzahler viděn studovat jeho brýle, jak je Hockney namaloval, návštěvníci cvičení v současné show se jim však budou hodit. Vrcholy na čočkách a odrazy detailů v místnosti evokují záhadnou jasnost raných vlámských malířů.

Formalita a klid scény daly některým kritikům na mysli pozdější renesanční Zvěstování. Allusions Old Master, jako je tato, se objevují všude v diskuzích o Hockneyově umění. Barbara Shapiro, kurátorka současné show (se Sarah Howgate z Národní galerie portrétů v Londýně), to dává dokonalý smysl. „Díky jeho knize Tajné znalosti lidé vědí, že David má zájem o optické techniky starých mistrů, “ říká. „Ale to, co nutně nedostanou, je to, jak moc miluje obrazy jako obrázky, pro prostory, které vytvářejí, příběhy, které vyprávějí, a způsob, jakým přinášejí život lidem z dávných dob a daleko. chodí na výstavy umělců z minulosti kvůli naprostému vzrušení. Pokaždé, když navštívím jeho dům, ukazuje mi umělecké knihy a katalogy. Jeho sbírka je úžasná. Je vzrušující s ním mluvit o tom, na co se dívá. "

Hockneyovo ponoření do umění minulosti může být patrné i v jeho zobrazení jediné tváře. V roce 1989 znovu obarvil Geldzahlera - nyní zasněženého vousa - do pletené čepice a kostkované lovecké bundy, která hledala celý svět jako Titian doge. Nebo si vezměte dvojitý portrét pana paní Clarka a Percyho, zobrazující přátele umělce z londýnské módní scény a jejich kočku. Paní Clarková - rozená Celia Birtwellová - měkká a nevinná v županu z temně purpurového sametu s délkou podlahy představuje jednu stranu francouzského okna s polouzavřeným oknem. Pan Ossie Clark, naboso, ve svetru, cigareta v ruce, se opírá o kovovou židli s opěradlem, jeho vzduch byl napjatý a střežen. Na klíně pana Clarka dává sněhově bílá kočka divákovi záda. Portrét byl fantasticky přirovnáván k mistrovskému dílu Van Eycka The Arnolfini Wedding, malbě, kterou Hockney prozkoumal ve své knize Tajné znalosti .

Stále: ten plášť starého mistra. Vypočítává se udělit takové gravity umělci, kterého si tak snadno užijete? Klíčovým bodem jeho práce po celou dlouhou kariéru byla zvědavost a radost ze života, kombinovaná s určitým sklonem nosit srdce na rukávu. Stejně jako Matisse i on je symfonikem palety, která se cítí dobře. Jeho upřímné uznání mužské kůže, zejména v bazénech a sprchách, ho přivedlo k imputacím dekadence a frivolity. „Je užitečné si vzpomenout, “ napsal Time, „že jedním z trvalých příspěvků Hockneyho k historii aktu - máme na mysli - je pálená linie.“ Kromě toho existuje i otázka jeho technického experimentování. Mluvíme zde o polaroidech, videozáznamech, fotokopiích, umění faxem a odvážným skokem dozadu o těžkopádné lucidě fotoaparátu.

V té době se tyto odjezdy mohly zdát aberantní, zavádějící nebo jednoduše hloupé. „David Hockney Portraits“ nabízí panorama díla prakticky na jakémkoli médiu, které se vám líbí, a verdikt v retrospektivě vypadá velmi odlišně. Jako nástěnný štítek pro instalaci v Bostonu prohlásil: „Hockney se nebojí změn.“ Je to pravda, pokud jde o techniku. Změny v technice však posloužily konzistentnímu účelu: přistupovat stále blíže ke kruhu důvěrníků, kteří jsou předmětem jeho neustálého pohledu.

Pohled na člověka samozřejmě ovlivňuje. Hluboce. Perspektiva, jak Hockney jednou vysvětlil novému známému na večerní párty, je věcí života a smrti. Jednobodová perspektiva, jak je kodifikována v renesanci, demonstroval s trochou ilustrací, je mrtvý pohled, mechanický pohled, pohled na nepohyblivé, nespojující oko. Oko, zkrátka, fotoaparát. Ale lidské oko to takto nevidí. Je neustále v pohybu, i když stojíme. Spíše než jeden úběžný bod by měly existovat úběžníky bez čísla. „Jsme 3-D stvoření, “ říká Hockney. Úkolem umělce, jak si to představuje, je zachytit akt vidění, jak jej prožíváme v mezích dvou dimenzí.

Proto například experimentální koláže Polaroidů, snímků a videozáznamů, které Hockney začal vyrábět na začátku 80. let, a zavolali „truhláři“. Tento proces ho hodně naučil o vytváření pocitu pohybu a pocitu prostoru a o zhroucení delšího časového úseku do jediného obrazu. Bylo řečeno, že s touto technikou překrývajících se fotografických obrazů a jejich nevyhnutelnými nepatrnými diskontinuitami v čase naučil Hockney kameru kreslit. Tím dále vzal to, čemu chápe, že Picassova kubistická agenda. Nejde o to, aby ukazovaly všechny strany objektu ve stejnou dobu, ale spíše aby vstoupily do mnohem bližší blízkosti a prozkoumaly ho důvěrněji. Trvá to čas, což může být důvod, proč Hockney tak zřídkakdy ukazuje postavy zamrzlé v dramatické akci. Držte gesto a dostanete pózu: něco inertního, mrtvého, vhodné pouze pro kameru. Klid v Hockneyově malbě je v jistém smyslu souhrnem pohybu, který není vidět: pohyby těla, pohyby myšlení, zahrnující, jak to momentka nedokáže, úseky času, spíše než jediný bod.

Tato kvalita je tou, kterou hledá v díle dalších umělců. Hockney sám seděl pro portréty mnoha umělců, od Warhola po britského umělce Luciana Freuda. Za náročný Freud se maratónem 120 hodin představoval bez lítosti. „Vidíš vrstvy, “ říká. Unavený portrét odhaluje bolení a sklíčenost, o kterou se ve společnosti vždy nestará. Ne že by je Hockney neviděl sám. Jsou v netransparentních autoportrétech z posledních dvou desetiletí. Co se však na autoportrétech liší, je tvrdá kvalita Hockneyho pohledu upřeného na zrcadlo.

V jakémkoli médiu, co pohání Hockneyho, je potřeba vykreslit akt pohledu. Tváře, na které se rozhodl podívat, jsou tváře přátel, milenců a dalších členů jeho domácnosti, včetně domácích mazlíčků. „Ach, maloval jsi svého psa, “ vykřikla překvapeně kamarádka, když vešla do Hockneyho studia a našla na stojanu obraz svého jezevčíka Stanleyho.

„Ne, “ přišla odpověď. "Maloval jsem svou lásku ke svému psovi."

A příbuzný: Hockneyho otec, Kenneth, účetní úředník nezávislých politických přesvědčení a náročných sartoriálních návyků; jeho matka, Laura, metodistka a přísná vegetariánská, zamyšlená a drobná; jeho sestra, Margaret; jeho bratr Paul. Při studiu tváří rodičů mi připadá, že David zdědil Kennethovu tvář a Laurin oči. Ale rodinné podobnosti jsou nepolapitelné; pár kroků, změním názor. "Pokud toho člověka neznáte, " řekl Hockney, "opravdu nevíte, jestli máte vůbec nějakou podobu."

Kenneth, jak se to stalo, byl předmětem prvního obrazu, který kdy Hockney prodal: Portrét mého otce (1955), který byl také jedním z jeho prvních olejů. Rozeznatelně Hockney, ale napjatý a stěží prorocký ve své morální tonalitě černých a hnědých, byl původně uveden v polovině padesátých let na bienále Yorkshire Artists Exhibition v Leedsu, hlavně jako prostředek pro místní učitele umění. Hockney na to nedal žádnou cenu. Myslel si, že to nikdo stejně nekoupí. Nicméně zahájení v sobotu odpoledne, s bezplatným čajem a sendviči, ho považovalo za „velkou událost, obrovskou událost“. (Byl ve svých pozdních dospívajících.) Představte si jeho úžas, když mu cizinec nabídl deset liber. Protože jeho otec koupil surové plátno („Právě jsem na něm udělal značky“), chtěl Hockney nejprve s ním vyčistit prodej. Kenneth řekl, aby si vzal peníze („Můžeš udělat další“).

Ale k příběhu je víc. Nejen, že si plátno koupil Hockney père, zřídil také stojan, židli pro sebe, aby seděl a zrcadla, ve kterých by sledoval pokrok jeho syna. Neustále kibitzoval a stěžoval si zejména na zablácené barvy. Hockney hovořil zpět: „Oh, ne, mýlíš se, takhle to musíš udělat, takhle malovat na umělecké škole.“

Tato temperamentní debata stanovila vzor, ​​který Hockney stále sleduje, když se to vyžaduje. Dokonce i nyní zřídí čas od času zrcátka pro své senátory. Charlie Sitting, malovaný v roce 2005, je výsledkem tohoto procesu. Poetická a narážlivá práce se zdá být jakousi ilustrací reverzního rodu viktoriánské balady „After the Ball“. Téma - Charlie Scheips, kurátor na volné noze a bývalý asistent Hockney - oblečený ve smokingu, se posadí na židli, uvázat kravatu, flétnu šampaňského v ruce a daleký pohled v odvrácených očích.

Ve skutečnosti mi Scheips při zahájení v Bostonu řekl, že návrh na zlomení srdce je čistá iluze. Scheips obětoval své raně šesté brzké ráno jednou na žádost Hockneye, pak zaujal pozici. Hockney, který věděl, že jeho model má zájem o jeho práci, zřídil zrcadlo, na kterém jsou upevněny Scheipsovy oči. Další obraz ze stejného roku, Autoportrét s Charliem, líčí Scheipsa v jeho dvojí roli jako model a divák, posazený na stolku, upřímně pohlcený v Hockneyově neviditelném plátně uvnitř plátna.

Hockneyovi nevadí být sledován. Naopak, pro co žije: „„ Jen se dívám, “říkají lidé.„ Jen se dívám! “ Vypadá to tvrdě. Většina lidí ne. “

Matthew Gurewitsch píše o umění a kultuře pro takové publikace jako New York Times a Wall Street Journal .

David Hockney a přátelé