Filippo Tommaso Marinetti byl prvním umělcem v moderní době, který přemýšlel o přípravě a konzumaci jídla jako o umění. Avantgardní futuristické hnutí, které vytvořil Marinetti a další umělci v Miláně v roce 1909, přijalo průmyslový věk a všechno mechanické - od automobilů a letadel po výrobní metody a městské plánování. Mysleli si, že vaření a stolování, tak ústřední pro každodenní život každého, by také mělo být středem jejich prozíravých ideálů.
Související čtení
Arcimboldo
KoupitSouvisející obsah
- Mléčná lobby z 70. let 20. století proměnila margarínovou růžovou, aby si lidé kupovali máslo
V roce 1932 vydala Marinetti knihu The Futurist Cookbook . Nebyl to jen soubor receptů; byl to druh manifestu. Připravoval a konzumoval jídlo jako součást nového světonázoru, v němž se zábava stala avantgardním představením. Kniha předepsala nezbytné prvky pro dokonalé jídlo. Takové stolování mělo představovat originalitu, harmonii, sochařskou podobu, vůni, hudbu mezi kurzy, kombinaci jídel a různě ochucené malé jednohubky. Kuchař měl k přípravě jídla použít high-tech zařízení. O politice nebylo možné diskutovat a jídlo muselo být připraveno takovým způsobem, že její konzumace nevyžadovala stříbro.
Marinettiho přemýšlení nemohlo předvídat roli, kterou by jídlo mělo hrát v umění téměř o století později. Současní umělci použili jídlo, aby učinili prohlášení: politická (zejména feministická), ekonomická a sociální. Otevřeli restaurace jako umělecké projekty, prováděli představení, ve kterých se připravuje a podává jídlo v galeriích, a vytvořili komplikované sochy z jedlých materiálů, jako je čokoláda a sýr. Děsivé, jak se to mohlo zdát Marinetti, někteří umělci dnes dokonce přijímají jídlo jako odmítnutí každého a všeho, co je v budoucnosti posedlé.
Když se ohlédneme zpět, v umění vždy hrálo roli jídlo: jeskynní malíři v době kamenné používali ve svých barvách rostlinnou šťávu a živočišné tuky a Egypťané vyřezávali piktogramy plodin a chleba na hieroglyfických tabletách. Během renesance malíř Giuseppe Arcimboldo, malíř pro habsburský soud ve Vídni a později pro královský soud v Praze, namaloval rozmarné portréty podobné hádankám, ve kterých byly rysy obličeje složeny z ovoce, zeleniny a květin.
Když přemýšlím o jídle a umění, intuitivně si vzpomínám na velké a krásné zátiší nizozemského zlatého věku, které jsem poprvé potkal v severní renesanční třídě dějin umění. V těchto slavných obrazech je každý povrch, od lesklých pernatých plášťů jatečně upravených těl kachen na lesklých stříbrných podnosech až po orosenou kůži ovoce a bobulovin, pečlivě vykreslen, aby vytvořil iluzi, že svátek sedí přímo před divákem. V 16. století tyto obrazy svědčily o bohatství majitelů a intelektuálním zapojení. Zobrazená jídla měla symbolický význam, často se vztahující k biblickým textům, a jak byly objekty uspořádány - a které byly spotřebovány - předávaly zprávu o prchavé povaze času nebo potřebě střídmosti.
Jako mladý umělec jsem studoval Cezannovy robustní vykreslování jablek a pomerančů. U postimpresionistických malířů, jako je Cezanne, bylo pozorování ze života jen začátkem do značné míry imaginativního procesu. Ocenili živou barvu a živé tahy štětcem nad hyperrealismem minulosti.
Během pop art éry se jídlo stalo sociální metaforou. Wayne Thiebaud maloval řady koláčů a dortů v jasných pastelových barvách, které přinesly na mysl reklamy a dětské hračky. Jeho aranžmá, představená jako večeře, spíše než domácké rysy soukromého života, odrážela putující společnost, ve které luxusní dezerty znamenaly americkou hojnost.
Tento článek je výběrem z našeho čtvrtletního atlasu stravování Smithsonian Journeys
Každá kultura má svou vlastní kuchyni a každá kuchyně svou vlastní tajnou historii. Toto zvláštní vydání Journeys poskytuje podrobný pohled na potravinovou a kulinářskou kulturu po celém světě, včetně hloubkových příběhů a oblíbených receptů.
KoupitZhruba ve stejnou dobu začali umělci používat jako umělecký materiál skutečné jídlo. V roce 1970 vytvořil sardonský švýcarsko-německý umělec Dieter Roth, známý také jako Dieter Rot, kus nazvaný „Staple Cheese (A Race)“ - hříčka na „steeplechase“ - která obsahovala 37 kufrů plněných sýrem a další sýry lisované na zdi s úmyslem, že budou kapat nebo „závodit“ směrem k podlaze. Několik dní po zahájení výstavy v Los Angeles vydala výstava nesnesitelný zápach. Galerie se překonala červy a mouchy a inspektoři veřejného zdraví hrozili, že ji zavřou. Umělec prohlásil, že hmyz byl ve skutečnosti jeho zamýšleným publikem.
Feministické umělkyně koncem šedesátých a začátkem sedmdesátých let považovaly americký vztah k jídlu z hlediska omezení, která kladou na ženy. Feministé tvrdili, že osobní - včetně nejběžnějších aspektů každodenního života - byl politický. V roce 1972 si Miriam Schapiro a Judy Chicago pronajali v Los Angeles prázdný dům se 17 pokoji, který byl naplánován na demolici, a proměnil jej v masivní uměleckou instalaci. Schapiro a další umělkyně vytvořily v jídelně pohlcující instalaci, napodobující proces, který dívky sledují při zdobení domků pro panenky. Jejich projekt, představení i instalace, odsoudil dvojí standard společnosti - nesoulad v očekáváních a příležitostech pro muže a ženy. Zatímco chlapci byli vyškoleni k tomu, aby uspěli ve světě, od dívek se očekávalo, že si budou udržovat dům pro své muže. Feministické umělkyně jako Elizabeth Murray by později naznačovaly, že ženy jsou dostatečně výkonné, aby zvládly světský i domácí v pracích jako „Kuchyňské malby“ (1985), ve kterých se zdá, že se lžíce globby vázaná na postavu předsedající kuchyni rovinu obrázku a postavit se divákovi.
V roce 1974 se Chicago znovu zabývalo tématem jídelny, když začala „The Dinner Party“, koncepční turné, které nyní sídlí v Centru pro feministické umění Elizabeth A. Sackler v Brooklynském muzeu. V průběhu několika let Chicago s týmem talentovaných řemeslníků vytvořilo 48 stop dlouhý trojúhelníkový jídelní stůl s prostranstvím pro 39 kulturně pozoruhodných žen, některých skutečných a mýtických, od pravěku po moderní ženské hnutí. Každé nastavení zahrnuje ruční ubrousek, keramickou desku, pohár a běžec, vše s ikonografií přizpůsobenou pro konkrétní ženu. Jak se časová linie sbíhá v současnosti, desky se stávají stále trojrozměrnějšími, což symbolizuje rostoucí svobodu žen a politickou moc.
Během 90. let se mnoho umělců přizpůsobilo osobnímu odcizení, které by vyplynulo ze zavedení domácího počítače a dalších činností založených na obrazovce. K nápravě rodící se anomie někteří zahájili disciplínu „relační estetiky“ - která je známa méně neprůhledně jako „sociální sochařství“ - podle níž byla interakce člověka, včetně společného stravování, chápána jako umělecká forma sama o sobě. Jedním z nejvýznamnějších odborníků byl Rirkrit Tiravanija, který začal vařit a servírovat jídlo divákům v galeriích, nechával hrnce, pánve a špinavá jídla v galerii po celou dobu jeho výstav.
Dnes se začínající umělci stále učí malovat zátiší ovoce a zeleniny. Mnozí se později odvracejí od malby k pronásledování novějších experimentálních médií, ale umělci zaměření na jídlo často i nadále věří v sílu pigmentu na plátně. Dobrým příkladem jsou malíři z New Yorku Gina Beavers, Walter Robinson a Jennifer Coates. Beavers rozčesává internet pro fotografie potravin, které pak kombinuje do více obrazových koláží a obrazů na velkých plátnech. Robinson je předem zaměstnán whisky, cheeseburgery a dalšími předměty touhy. Coates se zaměřuje na nezdravé jídlo, vytváří obrazy, v nichž s'mores, mac 'n' sýr a pizza nabírají abstraktní formy. Celkově existuje v současném umění potravin zdravé napětí mezi tradicí a ikonoklasmem. Přibližně 85 let po jeho zveřejnění se Marinettiho kuchařka zdá před křivkou, i když možná ne příliš daleko dopředu.
