Nedlouho poté, co se Japonsko v 50. letech 20. století formálně rozhodlo zahájit obchodování se Západem, přišla ostrovní země také fotografie. Oba signalizovali novou éru modernosti.
Snaha porozumět a znázornit duši Japonska, jak se vyvinula z imperialistického, agrárního a izolacionistického, k populističtějšímu, globálnímu a městskému, je tématem dvou výstav, které jsou nyní k vidění na Smithsonianově galerii Freer a Sackler ve Washingtonu, DC. „Japan Modern: Fotografie ze sbírky Gloria Katz a Willard Huyck“ a „Japan Modern: Prints in Age of Photography“, sdílejí mnoho, říká Frank Feltens, kurátor tiskové show.
Nejsou ani v chronologickém pořadí, ale oba seskupují obrazy do společných témat - s dominantou města a země. Fotografická show je vysoce dokumentární; mnoho z nich je v černé a bílé. Výtisky vyrobené z vyřezávaných dřevěných bloků jsou odvážné, vizuální a barevné. Ale, jak říká Feltens, „mezi těmito dvěma přehlídkami začnete hledat stále více společných rysů“ - zájem o povrchy, úhly a fragmenty.
Umělci se „dívají na svět venku, ale reimaginují ho jednou, objektivem a poté skrz dřevěné bloky, “ říká Feltens.
Jak tomu bylo v západním světě, fotografie vrhla velký stín. Potisky dřevěných bloků existovaly alespoň po tisíciletí, především jako prostředek komunikace o kultuře - vyprávění příběhů. Koncem 19. století byla grafika mrtvá - oběť snadnější a levnější fotografie.
První známá fotografie pořízená v Japonsku pochází z roku 1848, říká Feltens. Daguerrotypy byly v Japonsku populární - stejně jako v Evropě a Americe -, ale fotografie se ve dvacátých letech 20. století skutečně rozběhly, s nárůstem přenosnějšího vybavení, jako je kapesní kamera Kodak, vestavěné kapsy, říká Carol Huh, kurátorka fotografické show. Kapsa vesty, která je o velikosti moderního fotoaparátu, s objektivem, který se vytáhne, harmonika, byla vyrobena v letech 1912 až 1926 a v Japonsku se stala velmi populární, což vedlo ke vzniku klubů fotoaparátů a fotografické školy Besu-Tan styl.
Fotografická show byla umožněna částečným darem v květnu 2018, který obsahoval asi 400 fotografií shromážděných Gloriou Katz a Willard Huyck, japonskými milovníky a scenáristy, nejlépe známými pro americké Graffiti a Indiana Jones a Temple of Doom . Sbírka byla z velké části vystavena na stěnách jejich domovského města Brentwood v Kalifornii. Huh vybral pro přehlídku 80 výtisků od dvou tuctů umělců se zaměřením na ty, které ovlivnily trajektorii japonské fotografie.
Simmon: A Private Landscape (# 1), Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, ze série Karasu (Ravens) od Fukase Masahise, 1976 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, ze série Karasu (Ravens), Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Vrcholy sopky Takachiho , Kagoshima a Miyazaki Prefectures, Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Muž v tradiční pláštěnce Minobashi, prefektura Niigata, Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Glorie Katz a Willard Huyck) 
Moje žena na Dunách, Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Boku To Neko (Kočka a já), Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) 
Večerní pohled, Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, nákup a částečný dárek od Gloria Katz a Willard Huyck) Počáteční galerie - s tisky z dvacátých a třicátých let - ukazuje, jak byli japonští fotografové tak nadšeně ovlivňováni evropskými současníky, zejména malebnými fokustory. "Zasáhli jsme jakýsi vrchol potvrzující fotografie jako médium výrazu - umělecké médium a také přechod k modernějšímu estetickému, " říká Huh. První fotografie dokumentovaly město a zemi - kanál; pšenice mávala ve větru. Přechod je patrný ve studii stínu a stínu Ishikawa Noboru z 30. let 20. století, Stodola Střecha, která zazpívá na fragmentu kupole s mlhavým pozadím.
Odpoledne na hoře by mohl být abstraktním obrazem želatinový stříbrný tisk z roku 1931 Shiotani Teiko. Osamělý, maličký lyžař vypadá, že se probojuje nahoru po ostře šikmém šedém svahu, který se srazí přes spodní čtvrtinu fotografie a odděluje ji od stejně šedé oblohy. Teiko z velké části střílel v prefektuře Tottori na západním pobřeží Japonska a vytvářel z obrovských dun a hor. "Krajina se stává příležitostí pro tyto formy studia, " říká Huh.
Teiko také zastřelil náladové tisky nepřirozeně ohýbaných předmětů - předchůdce surrealismu, který se stal tak zřejmým v jeho práci studentky Uedy Shoji. Shojiho Moje manželka z roku 1950 na Dunách má svého kimono-odetého manžela, odříznutého na kolenou a hledícího z pravého popředí; po její pravici stojí tři muži v oblecích, čelí různými směry a za nimi se objevují obrovské stíny. Surreal-like, to také líčí Japonsko koexistovat s jeho starobylým dědictvím a jeho moderními obrazy.
Mnoho fotografií prozkoumává tuto souhru, zejména když se Japonsko dívalo dovnitř a čelilo realitě devastace druhé světové války a tomu, jak by se tato země znovu postavila a předělala.
Japonsko je jediným národem, který kdy zažil hněv atomové bomby. Přehlídka se dotýká Nagasaki, kde Američané hodili bombu na město 200 000 v 11:02 ráno 9. srpna 1945. Japonsko zakázalo fotografování v důsledku Nagasaki i Hirošimy, ale asi o 16 let později - v roce 1961 - Japonská rada proti atomovým a vodíkovým bombám pověřila Tomatsu Shomei, aby dokumentoval zotavení města. "V té době nebylo neobvyklé, aby mnoho Japonců nevidělo, co se tam vlastně stalo, " říká Huh. To zahrnovalo i Shomei. Ponořil se do Nagasakiho textilie, fotografoval současný život, přeživší bomby a předměty v dnešním Muzeu atomových bomb.
Jeden z nich, střílel na jednoduchém pozadí: náramkové hodinky se zastavily v 11:02. Láhev, která byla zkreslena výbuchem, má znepokojivě lidskou podobu. "Vypadá to jako kostra, " říká Huh. Kniha Shomeiho 11:02 Nagasaki je osobní počítání a klíčový dokument této strašné události.
Byl také posedlý - a fotografoval jeho převzetí - americkou poválečnou okupací Japonska, která oficiálně skončila v roce 1952. Účinky však přetrvávaly. Mnoho obrázků ukazuje zvědavost fotografů a zděšení s těmi cizinci, kteří se vložili do svého národa. Přehlídka zahrnuje některé tisky z Yamamura Gasho série 1959-62 na Washington Heights, americká vojenská rezidenční oblast v Tokiu. V jednom se skupina zlomyslně vyhlížejících černobílých dětí tlačí proti plotu řetězu. Gasho je doslova „mimo plot při pohledu na tuto podivnou transplantaci uprostřed Tokia, “ říká Huh.
Přehlídka končí Diorama Map of Tokyo v roce 2009, modernistickou koláží Nishina Soheiho, 36letého umělce. Procházel Tokio, lámal výhled na ulici a opakoval podobný projekt z konce 19. století, který vytvořil první měřené mapy Japonska. Sohei vystřihla drobné výtisky z kontaktních listů, položila je vedle sebe a pak je znovu vyfotografovala pro finální tisk. "Akt jejich sloučení si pamatuje tu cestu, " říká Huh.
Předběžné fotografování, tento typ tokijského mapování by bylo provedeno v méně velkém měřítku pomocí tisku dřevěných bloků. Tiskárny se však snažily prokázat jejich význam vzhledem k rostoucí popularitě fotografie. Již v 70. letech 20. století začali měnit způsob práce. Shinbashi Railway Station, jasný, různobarevný tisk provedený v roce 1873, byl příkladem nového stylu, který předváděl cihlové budovy a vlak na volnoběh před stanicí Yokohama.
Poměr mezi postavami a budovami byl přesný a má fotografický smysl pro perspektivu, říká Feltens. Ale křiklavé barvy byly „důrazně nefotografické“ - pokus konkurovat médiu, které bylo poté omezeno na černou a bílou.
Úsilí však neúspěšně selhalo - a tiskárna vytryskla. Ve dvacátých letech se dvě nová hnutí pokusila oživit tisky. V „nové tiskové“ škole si vydavatel myslel, že by mohl nalákat obyvatele Západu - kteří vytvářeli idealizované fotografické pohledy, které představovaly Japonsko, které bylo dokonale moderní a starověké současně - s tisky dřevěných bloků, které nabízejí podobné sentimentální portréty.
Shin-Ohashi, od roku 1926, se o to pokouší. Je to noční scéna s blikáním plynového světla odraženého od ocelové věže železničního mostu; Mezitím muž v tradičním slaměném klobouku táhne rikši, zatímco za ním stojí žena s kimonem, která drží velký slunečník. Byla to nahá nabídka jak na outdo fotografii (fotografie nebylo možné pořídit v noci), tak na uspokojení cizinců. "Tyto tisky nebyly prodány Japoncům, ani dnes, " říká Feltens. Byly také vytvořeny jako umělecká díla, která mají být shromažďována - nový směr tiskovin.
Ve 30. letech 20. století začalo „kreativní“ hnutí vzlétnout. Japonští tiskaři absorbovali ze západního umění myšlenku, že by měl být viditelný génius tvůrce. Grafici tedy začali do svých děl přidávat podpisy - často v angličtině - a čísla vydání. Už to nebyla výroba armády řezbářů, kteří předali svou práci tiskové operaci.
Tiskárny stále používaly dřevěné bloky, ale stále sofistikovanějším způsobem. Barva byla významným rysem. A perspektiva byla stále velmi fotografická.
Ito Shinsui's 1938 Mt. Fuji z Hakone Observatory je mistrovským dílem fotografické perspektivy a pocitu. Jediné, co říká, je rozsah modrých, bílých a hnědých.
Mnoho z 38 tisků v show je ohromujících v hloubce jejich umění - bod, který Feltens doufal. "Chtěli jsme ukázat šířku barev a odstínů a tuto explozi kreativity, " říká zejména od třicátých let. "Tito lidé, pokud jde o kreativitu, neznali žádné limity, " říká Feltens.
Stejně jako fotografie ukazují i tisky, že umělci měli „analytický pohled na Japonsko“, říká Feltens. Na rozdíl od fotografů se však tiskáři nezabývali přímým ani nepřímým politickým komentářem ani pozorováním druhé světové války.
Ale existuje tu souvislost s tou válkou, říká Feltens. Mnoho amerických sběratelů - včetně Ken Hitch, který zapůjčil Freer | Sackler velké množství výtisků v show - žilo v Japonsku během americké okupace.
Grafici i fotografové se v Japonsku snažili být přijímáni jako výtvarná umění, říká Feltens. Je ironií, že tisky, které byly fotografií téměř uhaseny, byly jako první považovány za skutečnou uměleckou formu, říká.
„Japan Modern: Fotografie ze sbírky Gloria Katz a Willard Huyck, “ kurátorka Carol Huh, a „Japan Modern: Printing in Age of Photography“, kurátor Frank Feltens, jsou oba k vidění v Smithsonian's Freer a Sackler Galleries v Washington, DC do 24. ledna 2019.
