„The Jazz Age“ přivádí k mysli flappery, Gatsby, epické večírky a samozřejmě jazz. Pokud však éra definovala vysoká energie, tak se také její napětí - divoká scéna nočního života setkala se Zákazem; rychlý nárůst americké inovace byl v rozporu s touhou po evropské tradici; Velká prosperita ustoupila Velké depresi. Tření všech těchto rozporů formovalo století, které následovalo - v populárním designu snad více než v jakékoli jiné oblasti amerického života.
Související obsah
- Poslechněte si tento první záznam z dvacátých let jednoho z králů jazzu
- V této nástěnné malbě je zachycena romance a příslib rádia 20. století
Tyto protichůdné vlivy a důležitá role, kterou hrály ve dvacátých letech, jsou předmětem rozsáhlé nové show „The Jazz Age: American Style ve dvacátých letech“, první velké muzejní výstavy, která se během této kreativně hořlavé éry podrobně zabývala americkým stylem.
Přehlídka, která proběhne 20. srpna v Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum v New Yorku a je organizována společně s Cleveland Museum of Art, upozorňuje na tuto významnou éru, když americký vkus a životní styl prošel transformací. Odrazilo se na vybavení, šperky a design období, to byla doba, kdy byly hranice testovány a v některých případech porušeny.
"Je to zdroj toho tolika, co se děje ve 30. a dalších letech, " říká Sarah Coffin, kurátorka Cooper Hewitt a vedoucí produktového designu a dekorativního umění.
Více než 400 uměleckých děl, módy, architektury, nábytku, textilu a dalších maluje obraz divoce energetické éry designu, obohacené živými barvami a inovacemi. Pro orientaci v tak obrovském tématu je přehlídka uspořádána do dvou pater do širokých témat, která pomáhají ilustrovat hlavní trendy designu a napětí, které formuje éru.
"Nejprve shromáždíte vesmír objektů, který je mnohem víc, než můžete ukázat, " říká Stephen Harrison, kurátor dekorativního umění a designu z Clevelandského muzea umění, který popisuje proces vítězství, kterému organizátoři show poprvé čelili. "Pak se začnete ptát: Jaké otázky kladou?" Jaké sousedství? Jaké vztahy se rozvíjejí? A když jsme začali vylepšovat své nápady, zdokonalili jsme své objekty. “
Prvním tématem, se kterým se návštěvníci setkávají, je možná to, co by mohli nejméně očekávat: „Perzistence tradiční dobré chuti.“
Jazzový věk nebyl jen o novém a odlišném: Bylo to v době, kdy Američané přijali francouzské a anglické návrhy 17. a 18. století a hledali ručně vyráběné starožitnosti, aby zvýšili své sociální postavení.
"V této zemi bylo mnoho lidí, kteří po celé desetiletí sbírali starožitnosti, kupovali reprodukce a dělali věci v tradičním vkusu, " říká Coffin.
I když se svět rychle měnil, původní díla v amerických koloniálních designech, stejně jako díla ze 17. a 18. století ve Francii a Anglii, stále vyjadřovaly sociální postavení. Příkladem dobových děl je tradiční mistrovské kování ohnivé clony Samuela Yellina, přikrývka s prvky perského rukopisu namalovaná Maxem Kuehnem a sekretářka vytvořená pro reprodukci domu Johna Hancocka podle modelu v Metropolitním muzeu umění. sbíraná muzea, sběratelé a bohaté domácnosti.
Ale nové evropské styly také ovlivňovaly americké styly. Události, jako je mezinárodní výstava moderního dekorativního a průmyslového umění z roku 1925, která se konala v Paříži, pomohly Američanům odhalit a vzdělávat nové designy, které debutují přes Atlantik. Muzea po celých USA (Cooper Hewitt a Clevelandovo muzeum, stejně jako Chicago Art Institute , Newark Museum, Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum) vystavovaly díla, získaly mnoho kusů a některé zpřístupňovaly ke koupi do studny. pata.
The Jazz Age: American Style ve 20. letech
Tato bohatě ilustrovaná publikace zachycující dynamický pulz jazzové hudby z této doby zkoumá americký vkus a styl během zlatého věku dvacátých let. Po ničivých letech první světové války znamenalo toto vzkvétající desetiletí znovuzrození estetických inovací, které byly do velké míry kultivovány americkým talentem a patronací.
Koupit„Všechna tato muzea v tomto období buď zřídila finanční prostředky na pořízení moderního evropského dekorativního umění, nebo hostila ukázky moderního evropského designu, které by pak mohly být prodány, “ říká Emily Orr, kurátorka Cooper Hewitt, kurátorka moderního a současného amerického designu.
Pro ty s menším disponibilním příjmem se repliky brzy rozšířily a snadno získaly - téma řešené v sekci výstavy „Menší svět“. Jedním z velkých vozidel pro toto smíchání vlivů byl obchodní dům. Místa jako Lord & Taylor a Macy's zahájili vlastní dílny, kde řemeslníci vytvářeli kousky v evropském stylu a učinili je dostupnými průměrnému spotřebiteli.
"Je pro lidi velmi těžké se dneska rozmýšlet, ale prezident Metropolitního muzea napsal úvod do katalogu výstavy, která se konala v Macy's, " říká Coffin. "Muzeum pochopilo, že jeho úkolem bylo získat hodnoty dobrého designu a tak dále americké veřejnosti a upozornit amerického spotřebitele, že ho podporují - nemohlo to být jen v muzeu."
Toto vytvořilo zvláštní souhru mezi exkluzivním a mainstreamovým, jakož i soukromým a veřejným. Coffin poukazuje na výrazné dvojité dveře od sochaře Séraphina Soundbinina a designéra Jean Dunanda, který výstavu ukotvil.
Šalomoun Guggenheim zadal dveře - každý měl anděla na vrcholu mrakodrapu foukajícího z rohu. Poté, co navštívil Pařížský veletrh 1925 a viděl Dunandovo lakování, Guggenheim se stal přesvědčen, že hudební místnost v jeho domovském přístavu ve Washingtonu takový kus potřebuje.
"Nedokázali jste si vůbec představit, že by lidé, kteří měli v tomto domě baronský nábytek, mohli mít chuť to udělat, " říká Coffin. "Ale zřejmě se rozhodli, že to chtějí udělat."
Po dokončení dveří je Guggenheim uvedl na veřejný pohled do galerie, než je přivedl domů. Brzy se rozrostlo o nákup a kurátorství umění (jejich první akvizice moderního umění se stane o rok později).
Samozřejmě nemůžeme myslet na dvacátá léta, aniž bychom vzali v úvahu živou kulturu a kulturu tlačící se za hranice. V části „Ohýbání pravidel - vystoupení“ je uveden smysl pro možnost a měnící se normy a předvádí se, jak jazzová hudba a společenský svět, který ji obklopuje, utváří design. Vázy s jazzovými tanečníky a textilem zvaným Rhapsody, stejně jako filmové klipy vévody Ellingtona a dalších umělců z Cotton Clubu se ozývají energií doby. Šperky, které doplňují nové módy - dlouhé náhrdelníky, které by klapky nosily, vyřezávaný rubínový náhrdelník od Van Cleef & Arpels, spona na opasek z roku 1926 s motivem scarab (hrobka krále Tuta byla vykopána v roce 1922, takže egyptský vzhled se zmocnil šperky) ) a dvojice Cartierových skladeb, které vlastní Linda Porter, manželka skladatele Cole, a další doplňky pro kouření make-upu a cigaret, to vše odráží osvobozené osvobození a měnící se společenské mravy.
Tento bezstarostný životní styl byl také něčím evropským. Malba umělce New Orleans Archibalda Motleyho „shrnuje to“, jak to říká Coffin - umělec strávil rok v Paříži na stipendiu Guggenheim a scéna zachycuje energii éry - klub smíšených ras, lidé tančí, hudba hraje, žena kouří cigaretu a víno teče volně.
Evropský vliv přišel nejen z větší snadnosti a zájmu o cestování, protože více Američanů navštěvovalo a studovalo v zahraničí, ale také z kaskádových účinků první světové války. Mnoho designérů uprchlo do USA před válkou a během války a přineslo své vlastní vlivy a zájmy - emigranti jako Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen a Richard Neutra s sebou přinesli zkušenosti s evropskou abstrakcí a obdiv k Americké mrakodrapy a kosmopolitní energie. To je možná nejlépe ilustrováno v show Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . Vliv se rozšířil i na materiály, které tito Evropané také používali.
"Evropané byli první, kdo ohnul chrom pro svůj nábytek, a to bylo toto okamžité znamení nového, ale také to má co do činění s dostupností a touhou po čistotě ve srovnání s velmi podrobnými, ozdobnými viktoriánskými formami, " říká Orr. "Byl také používán v autech a rádiích a symbolizoval budoucnost."
Konzolové křeslo je hlavní ikonou této éry. Adaptace formy v různých materiálech ukazuje, jak industrializace formovala éru. Původně byl navržen pro ploché balení a hromadnou výrobu, ale byl přepracován do dřeva a kůže a adoptován ateliéry Walta Disneye pro své projekční místnosti.
„Průmyslový designér je postavou v tomto období, kterou přineslo tolik výrobců napříč médii, kteří chtějí aktualizovat své tradiční linky pro moderní spotřebitele, “ říká Orr.
Jak říká Harrison, „Chtěli jsme definovat vkus tím, že se podíváme na ty moderní věci versus ty věci, které byly moderní formou a inovací a technologií.“
„The Jazz Age: American Style ve 20. letech 20. století“, je k vidění do 20. srpna v Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum v New Yorku.
