"Robert Indiana se narodil ve stejném jménu v roce 1928, " začal krátký životopisný popis psaný umělcem pro katalog své první samostatné výstavy v Stable Gallery v roce 1962: "Studoval v Chicagu a Edinburghu a vrátil se z cestovní společenství, aby žilo (sic) barvou na nábřeží v New Yorku. Zde ve své první výstavě jednoho člověka rekapituluje významné události v jednom americkém životě. “
Zatímco by se umělec stal neoddělitelně spjatým se svým designem L O VE a hnutím pop-art, širší dílo Indiany - naplněné čísly, slovy a symboly - zahrnuje autobiografické, literární a historické odkazy, aby se americkému snu podařilo dosáhnout elegance .
Narodil se Robert Clark na Novém zámku v Indianě v roce 1928, malíř, sochař a básník, který by přijal jméno Indiana - to, čemu říkal „nom de brush“ - zemřel 19. května 2018 ve věku 89 let. jako autor a učenec Barbaralee Diamonstein-Spielvogel nejprve poznamenal: „muž, který vynalezl Lásku .“
L O VE ve všech iteracích - přeloženo umělcem do sochařství do španělštiny a hebrejštiny; maloval do netisknutelného čtyřpísmenného slova poté, co vypadl s Ellsworthem Kellym; nebo v roce 2008 znovu použit jako H O PE v tisku vytvořeném jako fundraiser pro první prezidentskou kampaň Baracka Obamy - je často zkratkou umělecké produkce Indiany. Virginia Mecklenburg, hlavní kurátorka Smithsonian American Art Museum poznamenává, že zatímco Indiana byl spojován s popovými umělci, jako je James Rosenquist, Roy Lichtenstein a Andy Warhol, byl jiný. „Zaměřili naše vnímání na produkty naší spotřebitelské společnosti. L O VE nebylo o konzumní kultuře, ale o emocích, skrze které žijeme naše životy. “
Ten indický autorský zákon na jeho široce napodobený design L O VE nikdy nebyl autorem, který nahromadil velkou sbírku knock-offů. Ale více osobní zjevení v díle nejsou tak snadno plagiátorská jako jeho grafické linie: Indiana v různých rozhovorech poukazuje na L O VE jako inspiraci spíše z duchovního než z erotického původu, ale stejně jako hodně z jeho práce i jeho L O VE obraz z roku 1966 je sytý barevně a autobiograficky.
Robert Indiana a student na Skowheganské škole malířství a sochařství, 1969 (Skowhegan School of Painting and Sculpture records, 1946-2013. Archives of American Ar) 
Fotografie Roberta Indiany s Autocadraitem Dekáda 1969 (72 palců), ne dříve než 1972. (Mary Swift) 
Portrét Roberta Indiany v jeho ateliéru, c. 80. léta 20. století (Mary Swift, fotograf. Papír Mary Swift, circa 1970-2005. Archivy amerického umění) 
Alan Groh a Robert Indiana (vpravo) instalovali show ve Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotograf. Stable Gallery Records, 1916-1999, hromadně, 1953-1970. Archivy amerického umění) Design L O VE Roberta Indiany je zastoupen ve sbírkách napříč Smithsonian Institution a dalších jeho uměleckých děl. Tyto příklady ilustrují a nabízejí nahlédnutí do celého rozsahu umělecké kariéry.
Orální historie v Smithsonianově archivu amerického umění zahrnuje mnoho rozhovorů s umělci, kteří diskutují o jejich přátelství s Indianou a jeho prací, ale mezi nejzajímavější patří rozhovor z roku 1963 se samotným umělcem, který vedl sběratel současného umění Richard Brown Baker.
V něm Indiana podrobně mluví o svém neklidném dětství a raném vzdělání - což se zhoršilo tendencí jeho matky k tulení, které vidělo, že se rodina přestěhovala do 21 domů v době, kdy mu bylo 17 let - jeho zájem o poezii a literaturu a svůj čas žít v Coenties Slip na dolním Manhattanu mezi komunitou umělců, mezi které patřili Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney a Jack Youngerman.
Vánoční přání nalezené v novinách Dorothy Miller, která byla kurátorkou v Muzeu moderního umění, poskytuje náhled L O VE v jeho rané koncepční fázi. Jak kurátorka rukopisů archivů popisuje Mary Savig ve své knize Ruční vánoční svátky od umělců 20. století:
Jednou z prvních iterací nejvíce veřejně zbožňovaného tématu Roberta Indiany, motivu LOVE, byla karta prodaná MoMA v roce 1965. Pro svou dovolenou z roku 1964 Indiana udělala tužkové rubíny slova LOVE, doplněné jeho podpisem nakloněným O; jedním příjemcem jeho karty byl kurátor MoMA Dorothy Miller. Následující rok MoMA objednalo od Indiany pestřejší převzetí originálního designu pro svou linii dovolené.
Blahopřání Robert Indiana poslal Dorothy C. Millerové, 1964 (dokumenty Dorothy C. Millerové, 1853–2013, hromadné 1920–1996. Archivy amerického umění) V roce 1964, téhož roku, poslal Robert Indiana svou pohlednici L O VE, spolupracoval na filmu Eat s Andym Warhohem, v němž prostřednictvím kouzelnické editace filmu Indiana žvýkala neustále 35 minut. Pro světový veletrh v New Yorku byl jedním z deseti umělců pověřených Phillipem Johnsonem, aby vytvořil kresbu pro zakřivenou fasádu státního pavilonu v New Yorku. Tvorba Indiany, 20 stop vysoká známka pěti černých kruhů uspořádaných jako tvář pětidílné zemřít s písmeny, které se rozsvítily, aby vyhláskovaly EAT, byla vložena mezi díla Ellswortha Kellyho a Roberta Rauchenberga. Slova EAT, DIE, HUG a ERR by byla představitelná tím, že se Indiana vrátila znovu a znovu - Mecklenburg je nazývá „ikonickými příkazy“ - s EAT bylo poslední slovo, které mu matka řekla před smrtí, jedno z nejhlubších autobiografických .
V humorném pojetí slova upravili kurýři umění Philadelphia Joan Kron a Audrey Sabol návrh světového veletrhu Indiana na brož vyrobenou společností Tiffany pro jejich originální elektrickou společnost - jeden z několika obchodních podniků, které ženy spoluvlastnily. Poté, co napsali o svých projektech v New York Times, dostali mnoho dotazů na špendlík, z nichž některé najdete v Kronových novinách v archivech. Mezi nimi je poznámka od paní Daniel D. Krakauerové z Great Neck, Long Island, kde se ptá, kde si může jednu z EAT broží nosit na překvapení svého manžela při 50. narozeninové oslavě: „Nemohu myslet na lepší způsob, jak oznamující, že „večeře se podává“, než rozsvícením. . „“ Dopis nabývá lstivé ironie; Úředníci na světovém veletrhu museli nařídit, aby se Indiana zastavila po pouhých jednom dni, protože davy se hrnuly do pavilonu a zaměňovaly ji za jídlo. Jak psala Indiana: „Příliš mnoho lidí reagovalo první den na imperativ.“
V roce 1974, poté, co Smithsonian obdržel uměleckou sbírku finančníka a filantropa Josepha Hirshhorna a otevřel Muzeum a sochařskou zahradu v Hirshhornu jako národní muzeum současného umění, pověřili Smithsonian Associates na zahajovací den čtyři plakáty, včetně jednoho Roberta Indiany s okouzlující modrá hvězda a odvážný grafický design.
V době otevření muzea byly v Hirshhornově sbírce pouze dva ranné obrazy Indiany - Eateria, 1962 a Beware-Danger American Dream # 4, 1963. Obojí, říká Evelyn Hankins, vrchní kurátorka Hirshhornu, „jsou ikonickými příklady způsobu, jakým Robert Indana používá americkou lidovou řeč, jako jsou dopravní značky, k vytvoření výrazných uměleckých děl v jádru pop artu.“
Indický úvodní plakát, říká Hirshhorn's Evelyn Hankins, „je velmi reprezentativní, proč je Robert Indiana klíčový pro svět pop-art - jeho použití tvrdé grafiky, která je někdy slavnostní a někdy se ptá na temnější stránku amerického snu. “(Hirshhorn) Indický úvodní plakát, říká Hankins „se svou grafickou odvážnou hvězdou a omezenou barevnou paletou“ nejen dobře zapadá do sbírky a uměleckého díla, ale „byl velmi reprezentativní, proč je Robert Indiana klíčový pro svět pop art— jeho použití tvrdé hrany grafiky, která je někdy slavnostní a někdy klade těžké otázky o temnější straně amerického snu. “V tomto případě, zejména slavnostní.
Umělecká kritička Lucy Lippard prohlásila Indianu za „romantiku ven a ven“, přičemž zdůraznila, že „přínosem umělce je manželství poezie a geometrické jasnosti zahrnutím americké literatury a historie do objektivního umění“.
Jeho romantické tendence jsou patrné v jeho sloupcových sochách z nalezeného dřeva a předmětů, včetně těch, které jsou umístěny ve sbírkách Smithsonian American Art Museum. Podle muzejní Virginie Mecklenburgové, která kurátorkou umělcovy samostatné výstavy z roku 1984 „Dřevařské práce: Konstrukce Roberta Indiany“, tyto kousky svědčí o jeho inteligenci a pracovním procesu. "Chtěl udělat koncepty totemovými." Jeho sochy viděl jako totemy, jako stéla, která ve starověku sloužila jako nálezce podél římských silnic. Sochy Indiany představují přítomnost, sílu, individualitu, jakož i slova, znaky, symboly, způsoby, jak označit emoce, místa. Byla tu záměrnost - na tyto věci měl na mysli. “
Robert Indiana je pět . (Smithsonian American Art Museum, dar umělce) V době výstavy v roce 1984 Indiana obdarovala jeho obrazem The Five Five a muzeum mu koupilo jeho sochu Five . Oba jsou riffy na obraze Charlese Demutha I Saw the Figure 5 in Gold - vyrobené jako reakce na báseň Williama Carlos Williamsové „The Great Figure“, napsané po střetu s hasičským vozem, který za deštivé noci na Manhattanu bičuje - a jsou základními kameny z muzea v Indianě.
Mezi deštěm a světly jsem viděl číslo 5 ve zlatě na červeném hasičském vozidle v pohybu. . . .
"Bobovi se líbila myšlenka, že sochařství a obraz jsou spolu, " vypráví Mecklenburg. "Demuth byl ovlivněn Williamsovou zkušenostní básní - rychlost, světlo, zvuk hasícího kamionu - Bob našel další způsob, jak to vyjádřit, to bylo v tuto chvíli."
Na otázku, jaké to bylo pracovat s Indianou na výstavě, Mecklenburg říká, že Indiana byla plachá, ale stále jí umožňovala přístup k jeho osobním časopisům, jejichž stránky jsou reprodukovány v katalogu show. "Byl docela úžasný." . . byl přítel, “říká. "Měl hluboký smysl pro americké dějiny, jmenoval se pro stát, ve kterém vyrostl - nebyl to Robert Massachusetts!" Bylo to tvrzení Střední Ameriky, a to říká něco o tom, co si cení. “
Jak řekl Diamonsteinovi, „když jsem byl malý, moje matka řídila mého otce, aby pracoval v Indianapolis, a prakticky každý den mého života bych viděl obrovské znamení Phillips 66. Je to tedy červená a zelená ta značka proti modré Hoosierově obloze. Modrá v Lásce je ceruleanská. Proto je moje láska poctou mému otci. “
Na konci rozhovoru Roberta Indiany s ústní historií Richard Brown Baker navrhl, aby umělec „úplně neodhalil“, ale Mecklenburg tvrdí, že Indiana poskytuje divákovi, který je ochoten provést hluboké čtení jeho díla, značný přístup. Indiana říká: „Byl to člověk, který díky svému umění udělal na světovou značku.“
Indiana, který se viděl jako malíř znamení, ve skutečnosti jednou prohlásil: „Maloval jsem americkou scénu.“
Jak jasně uvedl v prohlášení umělců pro Stable Gallery: „Moje umění je disciplinovaný vysoký ponor - vysoký stoupající, simultánní a polychromní, exaltace verbálně vizuální. . . můj dialog. “
