Kdybyste letos prošli nějakým významným městem v Nizozemsku, pravděpodobně byste se setkali s pronikavým pohledem docela překvapivé tváře. Divokovlasá postava se širokýma očima, která vás přivítala z ulic, výloh, obálek časopisů a čokoládových krabic, je Rembrandt van Rijn (1606-69), mistr malířky nizozemského zlatého věku. Rembrandtovo nesrovnatelné umění bylo vždy hlavním prodejním místem pro nizozemský cestovní ruch, ale jeho autoportréty byly všude v roce 2006, protože Hollanders oslavoval 400. narozeniny nejslavnějšího umělce svého národa. Rembrandt 400, celoroční celonárodní akce pod záštitou královny Beatrixové, se ve skutečnosti dotkl celosvětové oslavy muzeí a kulturních institucí od Krakova po Melbourne. Mezi americké instituce, které se účastní, je Národní galerie umění ve Washingtonu, DC, kde „Strokes of Genius: Rembrandt's Prints and Drawings“ bude k vidění do 18. března 2007.
Celá tato pozornost odráží naši trvalou fascinaci umělcem, jehož díla zůstávají dodnes tak dojemná a smysluplná jako před čtyřmi stoletími. Rembrandt je oceňován jak za svou expresivní techniku, tak za schopnost zachytit emocionální srdce jakékoli postavy nebo příběhu. Jeho předmět sahá od biblické minulosti k lidem a místům kolem něj, ale ústředním motivem jeho umění - a hlavním důvodem, proč k nám jeho dílo po staletí neustále mluví - je lidská postava, citlivě vyjádřená vyprávění nedokonalostí vzhledu povrchu a turbulencí ducha uvnitř.
Není pochyb o tom, že by Rembrandt souhlasil se současným použitím své vlastní výrazné tváře jako marketingového nástroje. Maloval, leptal a kreslil asi 70 autoportrétů, více než kterýkoli jiný známý umělec své doby. Tím, že učinil svou tvář středobodem svého umění, zapojil se do jedinečně osobních prostředků seberealizace. Oblečený v kostýmu nebo na základě provokativních póz, hrál role od žebráka a marnotratného syna až po dvornějšího a orientálního potenciála. V malých výtiscích ze svých raných let se propadl do zrcadla a načrtl výsledky, aby se naučil umění zobrazovat emoce. Později v životě, v pečlivě pozorovaných obrazech, jako je jeho bradavice - a - všechny autoportréty z roku 1659, neochvějně zaznamenával známky času a zkušeností. Tato díla se dostala do sbírek po celé Evropě a pomohla z Rembrandta udělat nejznámějšího nizozemského umělce 17. století.
Rembrandt van Rijn se narodil 15. července 1606 v Leidenu, devátém dítěti mlynáře Harmen Gerritszoon van Rijn a jeho manželce Neeltgen van Zuytbrouck. Rodina provozovala mlýn na obilí na řece Rýn, který hraničil s městem. Byli to prosperující lidé pracující v dělnické třídě a od jejich dětí by se očekávalo, že se připojí k mlýnskému podniku, jak to udělali někteří Rembrandtovi sourozenci, nebo zahájili obchod. Rembrandt musel projevit zvláštní slib, protože jeho rodiče ho zapsali do Latinské školy, kde byl seznámen s klasickými jazyky a literaturou. Takové vzdělání mělo vést k ministerstvu nebo veřejné službě, ale podle historika Leida ze 17. století Jana Orlerse se Rembrandt zajímal spíše o čmáranice než o studium, a jeho rodiče, možná podlehnutí nevyhnutelnému, ho nechali trénovat u místního malíře a pak ho poslal na šest měsíců studovat u umělce v Amsterdamu.
Půlhodinová jízda vlakem z Amsterdamu (nebo několik hodin pěšky, koně nebo lodi v Rembrandtově dni) dnes v Leidenu dominuje univerzita, která byla založena v roce 1575. V 17. století město dlužilo velkou část své prosperity obchod s textilem. Městské muzeum De Lakenhal sídlí v budově, která byla kdysi guildhallem, kde se sešli jeho guvernéři a znalci textilního průmyslu. V roce 2006 se zde konalo několik významných výstav, včetně průzkumu Rembrandtovy krajiny. Zatímco některé obrazy na této výstavě zobrazují krajinu poblíž jeho domu, jiné jsou čistě fantazijní. Například v Mlýně se na vrcholu drsného útesu na rozdíl od rovinného terénu v Holandsku posadí působivý větrný mlýn. Další výstava „Rembrandtova matka, mýtus nebo realita“ byla zaměřena na dvě starší postavy, které se opakovaně objevují v Rembrandtově nejranějším díle. Učenci devatenáctého století, dychtiví romantizovat život umělce, je rychle identifikovali jako Rembrandtovu matku a otce, zatímco studie o mladších osobnostech se považovala za reprezentaci jeho bratrů a sester. Přestože moderní učenci jsou skeptičtější (neexistují žádné dokumenty, které by tyto identifikace ověřovaly), dává smysl, že členové rodiny by pro umělce, kteří právě začínají, byli dostupnější a dostupnější modely.
Styl podpisu rané Rembrandtovy školy, založený na přesném pozorování ze života kombinovaném s exotickými historickými kostýmy, lze vysledovat až k dílům, jako je Rembrandtův Tobit a Anna (1626), pro něž mohla modelovat jeho matka a otec. V takových malých, pečlivých obrazech zachycujeme pohled mladého umělce, který pečlivě proškolil jeho oko, a zároveň rozvíjíme fascinaci starým věkem, který by se objevil po celou jeho kariéru.
Než dosáhl svých 20 let, už si Rembrandt získal mezinárodní pozornost. Zatímco většina jeho nizozemských současníků prodávala své dílo lokálně, jeho obrazy a tisky se shromažďovaly nejen v Holandsku, ale v Itálii, Francii a jinde. Kolem roku 1630 obdržel anglický král Karel I. tři obrazy od Rembrandta jako dárek, včetně autoportrétu a obrazu, který je považován za matku umělce. Při hledání širších příležitostí, než které jeho rodné město mohlo nabídnout, se Rembrandt přestěhoval na počátku 16. let do Amsterdamu, města s asi 125 000 obyvateli a poté, jako nyní, do kulturního a obchodního centra Nizozemska.
Rembrandtův Holland byl v Evropě jedinečný: republika vedená občany, nikoli monarchií, s prosperující obchodní ekonomikou, v níž tvrdá práce a podnikání počítaly více než ušlechtilý titul. Bylo to místo, kde byla tolerována náboženská rozmanitost a kde kulturní život dominoval městskému vkusu střední třídy. Amsterdam byl středem živého trhu s uměním, a jakmile tam Rembrandt dorazil, obchodní partnerství s Hendrickem van Uylenburghem, prominentním obchodníkem s uměním, přineslo umělci některé z jeho prvních portrétních zakázek - noha ve dveřích, která sponzorovala amsterdamské nejbohatší občané.
S pomocí van Uylenburgha se Rembrandt rychle stal nejvyhledávanějším portrétistou v Amsterdamu. Jeho brilantní portrét Agatha Bas, malovaný v roce 1641, ukazuje proč. Třicetiletá Agáta, bohatá měšťanská dcera a manželka jednoho z investorů van Uylenburghu, nás považuje za ubohý, ale sebevědomý pohled. Její levá ruka spočívá na leštěném dřevěném reliéfu, zatímco elegantní ventilátor v její pravé ruce před ní klesá. Je to rám okna nebo rámeček samotného obrázku? Tato iluze, spolu s přímým pózováním, měřítkem v životní velikosti a jemnou hrou světla za postavou, vytváří pocit, že jsme tváří v tvář jiné živé duši. Podívejme se však blíže a realistické detaily jejích kudrnatých vlasů, vyšívaných živůtek, šumivých šperků a krajkového lemovaného límce se rozpustí v pomlčkách a tahech barvy, s průsvitnými glazurami barvy vrstvenými přes silné impasto. Tato magická kombinace odlišuje Rembrandta od plynulejší a vyleštěnější techniky zvýhodněné mnoha jeho současníky.
V roce 1634, když mu bylo 28 let, se Rembrandt oženil s 21letým bratrancem van Uylenburgh, Saskiou. Také ona byla častým modelem pro umělce, který ji vrhal do malebných rolí, jako je Flora, bohyně jara. V intimní stříbrné kresbě Saskie, kterou Rembrandt vyrobil jen několik dní po jejich zasnoubení, nosí sluneční klobouk zdobený květinami a stydlivě se usmívá. Během osmi let manželství měli manželé čtyři děti, ale jen jedno, Titus, přežilo dětství. V roce 1642, méně než rok po Titusově narození, zemřela Saskia ve věku 29 let na nemoci nebo komplikace při porodu. Její vůle stanoví, že Rembrandt bude mít prospěch z jejího majetku, pokud se nebude znovu oženit. Měl poměr s Geertje Dircx, zdravotní sestrou přivedenou do péče o chlapečka, o několik let později ji odmítl pro mladší ženu, Hendrickje Stoffels, která vstoupila do domácnosti jako služebná. Dircx ho žaloval za porušení slibu a vyvolal dlouhou a hořkou legální bitvu.
V roce 1654 byl Stoffels povolán před staršími církví a obviněn z „žití ve smíření s malířem Rembrandtem“, ale zůstala s ním navzdory skandálu. Jejich dcera, Cornelia, se narodila později v tomto roce. Oba Stoffels a Titus pomáhali s Rembrandtovým obchodem (Titus by vyrostl jako malíř a agent jeho otce) a chlapec byl pravděpodobně vzorem pro několik umělcových evokativních studií postav, včetně Tituse u jeho stolu, namalovaného v roce 1655. Rembrandt s několika rychlými údery zachytí texturu látky, vlasů, dřeva a papíru, stejně jako úctu školáka, který by raději byl kdekoli kromě svého stolu. Stoffels pózoval také: citlivý portrét ní ve věku kolem 34 let je v Metropolitní muzeu umění v New Yorku.
Téměř 20 let Rembrandt zaplnil svůj prostorný dům na Sint Anthonisbreestraat v Amsterdamu shonem studentů v práci, klienty přicházejícími zavolat a obrazy a tisky na prodej. Shromáždil také sbírku předmětů, které zahrnovaly nejen umělecká díla, ale i amazonské papoušky, benátské sklo, africké lví kůže a další exotické poklady, z nichž některé poskytovaly motivy pro jeho obrazy. Nikdy nebyl dobrým správcem peněz, nesplnil hypoteční splátky a ztratil dům poté, co v roce 1656 zbankrotoval. Soupis jeho umělecké sbírky zaznamenaný v té době ukazuje, že se zajímal o práci předchůdců, jako jsou Dürer a Titian., stejně tak jako vlámští současníci jako Rubens a Van Dyck. Rembrandtův dům (soukromý dům do roku 1906, kdy byl zakoupen městem Amsterdam) byl otevřen jako muzeum v roce 1911.
V roce 1642 dokončil Rembrandt svůj nejslavnější obraz, obrovský skupinový portrét známý jako Noční hlídka, který zobrazoval společnost občanských strážců, kteří pochodovali ven, aby bránili své město. (Obraz byl hvězdnou atrakcí v amsterdamském Rijksmuseum od svého založení v roce 1885.) Amsterdam v roce 1642 byl ve skutečnosti mírumilovným a prosperujícím městem a občanská garda sloužila spíše jako společenský klub pro ambiciózní občany než skutečná vojenská síla . Představená scéna Rembrandta je symbolickým uznáním jejich hrdé připravenosti sloužit. To, co činí tento obraz revolučním, je to, že Rembrandt vzal to, co mohlo být nudnou řadou postav, a proměnil jej v živou akční scénu. Jeden současník řekl, že způsobil, že ostatní skupinové portréty vypadaly stejně plochě jako hrací karty. V průběhu staletí byla Noční hlídka upravena tak, aby se vešla na těsné místo, srolovaná a uložená v bunkru, aby ji chránila před nacisty, sekaná chlebovým nožem (v roce 1975), postříkána kyselinou omrzlým návštěvníkem muzea (v 1990) a tlumočil do pivních steinů, triček a do děl moderních umělců. Ale díky Rembrandtově odvážnému vynálezu a strážným vykreslením vlasteneckého ducha, na kterém byl národ založen, nikdy neztratil svůj status nizozemské národní ikony.
Pro některé milovníky nizozemského umění soutěží Rembrandt s van Goghem o titul oblíbeného syna. V letošním roce však i amsterdamské Van Goghovo muzeum hostilo senzační show Rembrandta - „Rembrandt-Caravaggio“. Italský mistr Caravaggio, který zemřel v roce 1610, když byl Rembrandt jen dítě, je nejlépe známý pro své zacházení s biblickými předměty s drsnou pravdou k přírodě, obohacenou dramatickým světlem. Jeho revoluční přístup vyvolal mezinárodní hnutí, které dosáhlo Rembrandta (který nikdy neopustil Holandsko) prostřednictvím nizozemských umělců, kteří cestovali do Říma. Přehlídka z roku 2006 srovnávala léčbu dvou mistrů s několika souvisejícími tématy, ale nemusíme hledět daleko, abychom našli důkaz o Rembrandtově zájmu o Caravaggioho myšlenky, zejména jeho představu o biblických příbězích jako emocionálních dramatech uzákoněných lidmi, kteří nás stále udeří jako hluboce člověk.
Pohyblivým příkladem z pozdějších Rembrandtových let je jeho požehnání synům Josefa z roku 1656 (vpravo nahoře). Tady vidíme patriarchu Jacoba, churavého a téměř slepého, když natáhne ruku, aby požehnal svým dvěma vnukům. Jacob natáhne pravou ruku k mladšímu bratrovi Efraimovi, ne k staršímu, Menassehu. Rembrandt sleduje text v Genesis, když zobrazuje otce chlapce Josepha, jemně se snaží pohnout rukou patriarchy. Ale starý muž je neústupný, jeho akční prorocký: ví, že mladší syn je předurčen k velikosti. Tiše se dívá na chlapcovu matku Asenath. Její přítomnost není zmíněna v příslušné pasáži, ale je pojmenována jinde v Genesis, jak jasně věděl Rembrandt. Umělec tím, že ji do obrázku zahrnul, zdůrazňuje, že se jedná o rodinnou krizi. (Ve skutečnosti mohl toto dílo namalovat pro nizozemskou rodinu, přičemž každý člen stojí za biblickou postavou.) Navzdory osudovým důsledkům této chvíle cítíme především hlubokou lásku a víru sdílenou třemi generacemi, uzavřenou v intimní kruh světla. Zatímco silná hra stínů něco vděčí Caravaggiu, silný, téměř sochařský povrch barvy, aplikovaný tahy, které jsou široké a rychlé, ale přesto úžasně popisné, je Rembrandtovým jediným - jeho nejoriginálnějším příspěvkem k historii techniky.
Pro mnoho moderních diváků je to Rembrandt v nejlepším případě, ale ve své době ho drsné povrchy malování, dramatické osvětlení a zamyšlené postavy ze země stále více odlišují od převládajících trendů. Ke konci svého života byla Evropa ideální chutí pro ideální krásu a nizozemští znalci požadovali elegantní postavy a nastavení, jasné světlo a kultivovanou techniku. Pro odmítnutí přizpůsobit se této módě, Rembrandt byl označen v 1681 dramatikem Andries Pels jako “první kacíř v historii umění.” Pro Pelsa a další zastánce klasicismu se Rembrandtovo výrazné zacházení s barvou zdálo nedbalé a nedokončené. Podle biografa 18. století Arnolda Houbrakea však Rembrandt tvrdil, že „dílo je dokončeno, když v něm mistr dosáhl svého úmyslu“. Dalším cílem pro kritiky bylo jeho zacházení s aktem. Zatímco klasicisté tvrdili, že umělci by měli usilovat o skvělou dokonalost řecké sochy, Rembrandt neúnavně zaznamenával vrásky a podvazky svých poddaných, knoflíková kolena a chlupaté vlasy. Za to byl obviněn z neplnění pravidel proporcionality a anatomie.
Rembrandt nebyl o nic méně nekonformní při jednání s klienty. Většina umělců je uvítala ve svých studiích, ale Rembrandt byl drsný. Pokud by se potenciální kupec pokusil podívat se na obraz příliš pečlivě, píše Houbraken, Rembrandt by ho odstrčil a varoval, že „vůně olejové barvy způsobí, že vám bude špatně.“ V notářském dokumentu z roku 1654 si portugalský obchodník jménem Diego d'Andrada stěžoval Rembrandtovi, že portrét dívky, kterou nařídil, nevypadal jako ona. Chtěl, aby to umělec změnil nebo vrátil vklad. Rembrandt řekl notáři, že se ho nedotkne, dokud D'Andrada nezaplatí splatnou částku. Poté řekl, že to předloží ředitelům cechu malířů k úsudku a provede změny, pouze pokud s klientem souhlasí. Pokud D'Andrada stále nebyl spokojen, Rembrandt by malbu nechal a prodal ji v aukci. O vrácení vkladu nebylo řečeno. Jak byl případ vyřešen, není známo, ale Rembrandtův postoj byl stejně riskantní jako odvážný. Určitě to stálo nějaké podnikání, ale v dlouhodobém horizontu jeho trvalý dopad vděčí hodně jeho kreativní nezávislosti, známce „moderního“ umělce.
Než zemřel v 63 letech v roce 1669, Rembrandt prodával obrazy a tisky významným sběratelům v celé Evropě, školil desítky studentů, vyráběl a ztratil jmění a vytvořil některá z nejpamátnějších děl 17. století. Zatímco někteří diváci obdivovali jeho odvážný, nekonvenční přístup k životu i umění více než jiní, základní autentičnost jeho reakce na lidský stav zůstává nezpochybnitelná. V Rembrandtově očích, výmluvném studiu umělce a jeho prostředí, kulturní historik Simon Schama poznamenává, že pro Rembrandta „nedokonalosti jsou normou lidstva. Proto bude po staletí vždy mluvit s těmi, pro něž může být umění něčím kromě hledání ideálních forem. “
Stephanie Dickey vyučuje dějiny umění na Queen's University v Kingstonu v Ontariu a je autorem tří knih o Rembrandtovi.
