Smrt malby byla poprvé předpovězena v polovině 19. století, kdy se zdálo, že příchod fotografie vytrhává malířovu ruku z reality. „Pokud má fotografování povoleno zastávat umění v některých svých funkcích, “ napsal v roce 1859 francouzský básník a umělecký kritik Charles Baudelaire, „brzy jej nahradí nebo úplně zničí.“ Umělci se od té doby snaží vyrovnat s fotografickými důsledky.
Impresionisté, jako je Monet a Renoir, odmítající statické, mechanické snímky fotografií i zastaralou akademickou malbu své doby, se rozhodli malovat své vlastní dojmy o tom, jak oko vnímá světlo a atmosféru v přírodě. Někteří z jejich současníků, včetně Degase a Toulouse-Lautreka, se obrátili jinak. Začali používat fotografie pro inspiraci - ořízli své obrázky, jak by mohla například fotoaparát, a zaváděly zkreslení perspektivy založené na objektivu fotoaparátu.
Pak, před sto lety, Matisse a Picasso vytvořili radikální obrazy, které by definovaly novou éru moderního umění. Matisse znetvořil postavu jeho vybouleným Blue Nude v roce 1907, malbou z fotografie osvobodil svou fantazii a rozbil zvyky tvořené kresbou ze života. Picasso také používal fotografie k malování jeho 1907 Les Demoiselles d'Avignon, s každou postavou vypadat jako vícenásobná expozice, viděný od různých úhlů současně - rozhodující krok do kubismu.
Jak 20. století postupovalo, malíři takový jako Wassily Kandinsky a Jackson Pollock opustili pojetí umění jako reprezentace úplně, produkovat plátna, která obsahovala žádné rozpoznatelné objekty vůbec. V jejich „abstraktních“ pracích se samotná barva stala předmětem. V 60. letech 20. století koncepční umělci - inspirovaní Marcelem Duchampem a dalšími dadaisty 20. let - přijali názor, že umění by se mělo zaměřovat na mysl, nikoli na oko, a ukazovat obrazy, ve kterých byla myšlenka díla důležitější než samotné dílo. . Až na pár zjevných výjimek - pop art, foto realismus a umělci, jako je David Hockney -, bylo reprezentační nebo figurativní umění do konce 20. století považováno za minulost. V posledních letech se však řada současných malířů začala vracet ke kořenům moderního umění a hledat nové způsoby vyjadřování. Míchají lidskou postavu a jiné rozpoznatelné formy s prvky abstrakce a nejednoznačného vyprávění způsobem, který dříve nebyl vidět.
„Vzrušení z mé profese je nyní ohromné, “ říká Joachim Pissarro, kurátor malování a kresby v Muzeu moderního umění v New Yorku. „Před třiceti lety se mluvilo o konci malby. Dnes se o to nikdo nestará.“ Pro mladou generaci říká: „polarizace mezi abstrakcí a reprezentací, která existovala v poslední polovině 20. století, nemá smysl. To, co nyní vidíme, je velmi zajímavé. A úplně nové.“
Umělci, kteří jsou na těchto stránkách rozptýleni z Brooklynu do Trinidadu do Lipska, obnovují „víru v malířství“, říká Laura Hoptman, hlavní kurátorka Nového muzea současného umění v New Yorku.
Peter Doig
„Když se lidé začali zajímat o mou práci na konci 80. let, malba byla úplně mimo program, “ říká Peter Doig, 49letý Skot žijící v Trinidadu. „To, co galerie považovaly za špičkové, bylo vše koncepční - malba o malbě, umění, které říká něco o tom, jak se to dělá. Záměrně jsem proti tomu pracoval. Pro mě, jakmile jste malíř, jste neustále nuceni se dívat na svět jako potenciální předmět malby. A to jde od toho, co vidíme na ulici, až po něco ve filmu, v časopise, všechno opravdu. ““
Doigovo studio, ve zrekonstruované lihovarech v hlavním městě Trinidadu v portugalském přístavu, je plné velkých pláten zobrazujících krajiny džungli, jako jsou řeky a nejasné postavy. Když v roce 2003 opustil Londýn, aby se přestěhoval do Trinidadu, mnozí jeho přátelé to nazvali „dělám Gauguin“, po francouzském umělci Paulovi Gauguinovi, který se v roce 1891 přestěhoval do Tahiti, aby se stal jedním s přírodou. Doigův styl je někdy srovnáván s Gauguinovým, ale jeho přístup k malbě je docela odlišný. Jeho metoda závisí na druhu zpracování informací, které často začíná fotografií, říká, protože malba z fotografií ho distancuje od toho, co je skutečné nebo pravdivé. "Proč musí být obraz pravdivý?" ptá se.
Doig vytvořil několik obrazů ze staré pohlednice, kterou koupil v londýnském obchodě s haraburdí, který zobrazuje říční scénu v Indii. „Když mařím přímo z přírody, “ říká, „příliš mě to dohánělo, abych to napravil. Pomocí fotografie nebo pohlednice mi dovolím jen vzít to, co chci, a zbytek nechat venku. Fotografoval jsem z malého gurua v pohlednici a vzal jsem si další fotku, a já jsem to vyhodil do vzduchu, takže se z něj stala rozmazaná skvrna, z toho jsem maloval a stal se jakýmsi vousatým mužem, něčím tajemným a černým. Nevím, jestli je to náboženská postava nebo fanatik, ale je na něm něco duchovního. “
Ukazuje na plátno útržkovité postavy o rozměrech 9 x 12 stop, vylézající na palmu, objímající kmen a vykukující z abstraktní prázdnoty tahů štětcem, kapek a trhlin. „Ty kapky a praskliny jsou v malbě jedinečné druhy krásných věcí, “ říká. "Máte šanci a jsou vám dány, ale já bych je nenáviděl, kdyby se stali manýristou nebo trikem." Byla to však postava, která nejvíce zasáhla režiséra SITE Santa Fe Laury Heon, když byl obraz zobrazen na bienále muzea v roce 2006. „V jistém smyslu je to návrat k humanismu, “ říká. "Je něco velmi velkorysého, co se týče vyobrazení lidské bytosti."
Hlavní retrospektiva Doigovy práce se otevře v únoru na londýnské Tate Modern.
Dana Schutz
V obrazech Dany Schutzové je falešné a skutečné jen těžko rozeznatelné. „Vím, že moje obrázky jsou konstruovány, ale já v ně věřím, když maloval, “ říká ve svém ateliéru ve staré průmyslové budově, která obrátila umělce v Brooklynu. Schutz (30) rád vytváří postavy a umisťuje je do různých scénářů v řadě obrazů, kde se zdá, že si užívají svůj vlastní život. Jednou takovou řadou jsou postavy, které nazývá „self-eaters“ - zbavená forma lidí, kteří přežijí tím, že se živí částmi svého těla a poté se rekonstruují. Obrazy se svými fantastickými snímky a tím, co nazývá „extrovertními barvami“ - růžovými a červenými, elektrickými purpurovými a zelenými džunglemi - byly chváleny jako nový expresionismus a je snadné je interpretovat z hlediska sociálních neduhů - od anorexické modely k dravému konzumu - nebo dokonce jako záblesky do umělcovy psychiky. Ale Schutz nesouhlasí.
„Nejsem expresionistka, “ protestuje. "Tyto obrazy nejsou o mě vyjadřující, jak se cítím vůbec." Sebepoživatelé, říká, „jsou obrazovým řešením; můžete je rozebrat a znovu je dát dohromady. Je to, jako by se právě stali hmotnými.“
Schutz ale tvrdí, že její obrazy jsou někdy inspirovány tím, co vidí na internetu nebo o tom přemýšlí. „Chci, aby tyto obrazy začaly někde ve veřejné fantazii, kde se lidé cítí, jako by mohli ten příběh znát, jako je plastická chirurgie nebo výroba-spotřeba nebo způsoby, jak si sami vytváříme alternativní historie, “ říká. "Stále více se cítím jako nejradikálnější věc, kterou umění dokáže, je dát někomu zážitek, o kterém se domnívají, že je nějakým způsobem neznámý."
Pro Schutze neexistuje žádná pevná hranice mezi abstraktním a figurálním obrazem. "Nemyslím si, že jsou něčím odděleným." V jednom novém obraze řízení muže a ženy se postavy v autě zdají být téměř plastické, jako by se topily v horké havajské krajině. „Způsob, jakým o nich přemýšlím, “ říká, „je to, že v budoucnu, pokud byste se na nás ohlédli, jaké rysy by zůstaly mírně zdeformovaným nebo zobecněným způsobem?
„Možná přeuspořádáváme postavu, “ pokračuje. „Dělat obrazy o malbě prostě zní šíleně. Všechno to mluví o barvě. Myslím, že umělci nyní chtějí dělat význam a mít účinek. Je to velmi odlišné od 20. století.“
V listopadu se v Galerii současného umění v Berlíně otevírá výstava Schutzovy tvorby.
Neo Rauch
V Lipsku 47letý německý umělec Neo Rauch ovlivňuje generaci poválečných malířů s dvojznačnými obrazy, které mísí realismus s fantazií, obyčejný s bizarem. Rauch kreslí na grafických stylech komiksu a komerčního umění východního bloku, sociálního realismu komunistického východního Německa, jeho vlastních snových snímků a prvků jeho městské krajiny. Rauch maluje druhy postav, které můžete najít v propagandistických plakátech, ale vkládá je do scény, které, jak říká, jsou „matoucí věrohodné“ - jednou známé a podivné.
Rauch popisuje jeho obrazy jako alegorie s osobní ikonografií, která zůstává soukromá. Nedávno řekl tazateli v Metropolitní muzeu umění v New Yorku, že jeho rozhodnutí jako malíře může vzdorovat rozumu - i jeho vlastní. Ale to, co v obraze obsahuje, má svou vlastní realitu, protože „i přes veškerou touhu po interpretaci by si malba měla zachovat privilegium umisťovat to, co nelze verbalizovat, do zřejmé struktury“. Rauch popisuje svůj proces tvorby malby jako boje za rovnováhu toho, co je rozpoznatelné, s tím, co je nevysvětlitelné. "Pro mě řekl, " malba znamená pokračování snu s jinými prostředky. "
Výstava Rauchovy práce je v současné době k vidění v Metropolitním muzeu umění v New Yorku (do 14. října).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, stejně jako absolventka umělecké školy Columbia University Dana Schutz, založil své studio v přestavěném průmyslovém podkroví v Brooklynu. Jeho obrazy inspirované francouzskou historií z konce 19. století kombinují figurální prvky s technikami, které pochází z graffiti a abstraktního expresionismu.
"Jako teenager vyrůstající ve Philadelphii ve městě jsem byl nejprve spisovatelem graffiti, " říká. "Dostal jsem se do nejrůznějších problémů, byl jsem zatčen, ale vždy jsem měl jednu třídu v umělecké třídě." Nakonec ho otec přítele vzal do galerií v New Yorku. „To je opravdu jediný způsob, jak bych věděl, že umělecký svět kdy existoval, “ říká.
Furnas, 34, maluje jeho plátna na podlahu, jako to udělal Jackson Pollock. Namísto kapající olejové barvy à la Pollock však vytváří louže na vodní bázi, které hromadí jeden na druhého, aby vytvořil formu. Pro sérii o občanské válce naplnil stříkačku červenou akrylovou barvou, kterou střílel přes jeho plátna, aby reprezentoval krev. „Oleje by nikdy nevyschly včas tak, jak používám barvy, “ říká, „naplocho na zemi, v kalužích. Hodně z toho se vrací do graffiti. Jedna z věcí, která se mi na graffiti líbila, je to, že to úmyslně Zneužívá materiál. Mohli byste sundat víčka rozprašovače z jednoho aerosolu, řekněme například čisticí prostředek na pracovní desce, nasadit jej na lakovací sprej a získat úplně jiný účinek než tryska ... nikdy jsem se neobtěžoval stojany nebo štětce dokonce. Mám obrovskou sbírku čepic na spreje, jak si představuji, že někteří malíři olejů mají štětce. V mé práci existuje jakási úmyslná směs toho, co je v železářství a co je v uměleckém obchodu. ““
V umělecké škole v Columbii se Furnas ocitl vzbouřením proti starší generaci učitelů, kteří byli, jak říká, „koncepční a postmoderní umělci, téměř žádný malíři“. Viděl malování jako akt sebevyjádření, který byl z módy. Chtěl také, aby jeho práce byla přístupná divákům, aniž by ji museli akademici interpretovat. „Nechtěl jsem, aby tito lidé v černých oblecích mluvili o své práci, “ říká. "Nechtěl jsem prostředníka." Rozhodl se „vrátit se ke semenům modernismu, “ říká, „k Courbetovi a Géricaultovi a Manetovi, k malbě francouzských dějin z konce 19. století. Byl jsem schopen žánr znovu zkoumat a žít jiným způsobem. Stal jsem se takovým druhem modernistického nákupního obchodu! “
Výstava díla Furnase je naplánována na jaro v galerii Stuart Shave / Modern Art v Londýně.
Katherine Lee
Ve starých armádních kasárnách vyrobených ve studiích umělců na College of Santa Fe se Katherine Lee, 22, ptá, jak se její kabelová generace bude dívat na umění. „Dneska čteme tolik okamžitých vizuálních zpráv, “ říká, „jako reklamy - přečtěte si to a získejte - a chci, aby byl obraz zajímavější déle než komerční přestávka. Myslím, že existuje strach z vyprávění, a to vychází z myšlenky „dostat to“. Lidé jsou tak zvyklí na reklamu, že chtějí, aby to, co vidí v obraze, bylo předem promyšleno někým jiným. Ale reklama dělá tak dobrou práci, že možná budete muset najít novou strategii. “
Na Leeovu studiovou stěnu je připnuta tajemná, téměř černá krajina se sklem vzdáleného světla. Má náladovou atmosféru a hloubku krajiny 19. století, ale Lee ji namaloval z několika fotografií směsí grafitu, olejů a plechovek stříkající barvy. Tmavé listí navrhuje džungli nebo les a uprostřed toho všeho vypadá jako červený deštník. Ale nejsou žádní lidé. Je těžké vědět něco o scéně, což je přesně to, co chce. „Ten deštník v lese naznačuje, že se něco děje, “ říká. "Líbí se mi myšlenka, že všechno funguje jako potenciální obsah. Opravdu nemyslím na to, co to znamená, když to dělám, protože vím, že to bude mít svůj vlastní význam."
Když namaluje lidské postavy, jako v oleji a grafitovém obraze romantického páru, který nazývá Untitled Love, Lee chce, aby barva zajímala diváka stejně jako obraz. „Není to přesně obrazný obraz, “ říká, „protože to ve skutečnosti není o těchto lidech. Když jsem obraz začal, opravdu to bylo jen o té postavě, ale brzy to vypadalo příliš plochě. Opravdu jsem frustrovaný a zničený většina malby, a pak to bylo mnohem lepší. Vzal jsem si štětec a jen násilně rozmazal všechno. Abstraktem všeho v takovém rozsahu se obraz stává otevřeným, získává hodně potenciálního obsahu, na rozdíl od explicitního vysvětlení. "
Obrazy Katherine Lee budou k vidění v diplomové show v Galerii výtvarných umění na College of Santa Fe v květnu.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32 let, poslední absolventka Fakulty umění Columbia University of Arts, je malíř, jehož práce přispívá k novému nadšení ze současného malířství, které spojuje abstrakci a reprezentaci. V jejím Brooklynském studiu jsou plátna pokryta velkými abstraktními tahy štětce připomínajícími de Kooning, přesto však obsahují takové postavy, jaké si malíř, jako je Matisse, představoval. Neel říká, že její vlastní citlivost je utvářena záplavou obrazů kolem ní, od reklamy a televize po filmy, videa a internet. „Jsme spotřebitelé obrazů téměř ode dne, kdy jsme se narodili, “ říká a myslí si, že umění se nyní musí vypořádat s tímto prostředím.
Vnučka obrazné malířky 20. století Alice Neel, Elizabeth často surfuje po internetu obrázky, než začne malovat. Ne promítá fotografie na plátno, ale vytváří náčrty obrázků, které chce použít. Někdy, jak říká, čistě formální aspekty tvorby malby - například měřítko tahů štětcem - mohou změnit její zájem o obrázek a poslat ji zpět na internet pro nové obrázky a nápady. „Myslím, že malba může mít úžasnou dualitu; může to být o sobě a může to být o světě, “ říká, „a když se to stane, je to dobrý obraz v obraze.“
Britský sběratel Charles Saatchi koupil několik Neelových obrazů a některé z nich zařadil do své probíhající série výstav „Vítězný obraz“ ve své londýnské galerii. Neel bude mít na jaře 2008 samostatnou show na Deitch Projects v New Yorku. Její práci si můžete prohlédnout na webových stránkách Deitch Projects.
Spisovatel a malíř Paul Trachtman žije v Novém Mexiku. Jeho článek o dadaistech se objevil v květnu 2006 Smithsonian.
