WILLEM DE KOONING STÁLE OSLŇUJE UMĚNÍ A KULTURA | KOVÁŘ - ČLÁNKY, UMĚNÍ A KULTURA, UMĚNÍ A UMĚLCI

V roce 1926 Willem de Kooning, 22letá komerční umělkyně z Nizozemska, bez nákladu, uložila nákladní loď směřující do Ameriky. Neměl žádné papíry a nemluvil anglicky. Poté, co jeho loď zakotvila v Newport News ve Virginii, vydal se na sever s několika nizozemskými přáteli směrem do New Yorku. Nejprve našel svůj nový svět zklamáním. "To, co jsem viděl, byl druh Holandska, " vzpomněl si v 60. letech. "Nížiny. K čemu to sakra chci jít do Ameriky? “O několik dní později, když de Kooning prošel trajektovým a vlakovým terminálem v Hoboken v New Jersey, všiml si muže u pultu, který nalil kávu pro dojíždějících tím, že ji prohodil do řady šálků. "Prostě nalil rychle, aby to zaplnil, bez ohledu na to, co se rozlévalo, a já řekl:" Chlapče, to je Amerika. ""

Z tohoto příběhu

[×] ZAVŘÍT

Práce Willema de Kooning, zde ukázaná, je Ruthova Zowie, 1957, se spoléhala na neustálé znovuobjevování: „Musíte se změnit, “ umělec často říkal, „aby zůstal stejný.“ (Sbírka rodiny Ovitzů, Los Angeles © 2011 Nadace Willema de Kooning / Společnost pro práva umělců (ARS), New York)

Mezi umělci, kteří se objevili v padesátých a šedesátých letech, de Kooning, uvedený zde v roce 1953, vzdoroval kategorizaci. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning studoval na Rotterdamské akademii výtvarných umění. „Klasický výcvik tě osvobozuje, “ řekl později o své abstraktní práci. Na snímku je jeho zátiší z roku 1917, dokončené ve věku 13 let (soukromá sbírka / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Society Rights Society (ARS), New York)

Na Manhattanu byl de Kooning s Arshilem Gorkym v roce 1937 přitahován k modernistickým malířům. (Oliver Baker, fotograf. Papíry Rudi Blesh, Archivy amerického umění, Smithsonian Institution)

Čtyřicátými léty, de Kooning začal sérii studií ženské postavy, inspirovaný částečně Elaine Friedovou, koho on si vzal v 1943. (John Jonas Gruen / Hulton archiv / Getty Images)

Po druhé světové válce se avantgardní kruh de Kooning přiblížil stavu celebrit. Na obrázku je skupina, in Life, 1950; de Kooning je v zadní řadě, zcela vlevo. (Nina Leen / Obrázky z doby života / Getty Images)

Figurální prvky přerušují nejednoznačný prostor v podkroví, 1949, jeden ze série de Kooningových poválečných černobílých kompozic. Dokonce i nejúspěšnější díla umělce, říká učenec Richard Shiff, často „začínal odkazem na lidskou postavu“. (Metropolitní muzeum umění, NY / © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

I když umělecký svět oslavoval jeho abstrakce, de Kooning znovu zaměřil své energie na ženskou postavu a dva roky pracoval na ženě I, 1950-52. "Krása, " řekl umělec, "se mi stává mazlavým. Líbí se mi groteskní. Je to radostnější." (Muzeum moderního umění, NY / © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

De Kooning opustil město v roce 1963 pro Springs, Long Island. Tady je de Kooning ve věku 81 let ve svém ateliéru v roce 1985. (© 2011 Willem de Kooning Foundation / Society Rights Society (ARS), New York)

De Kooningova pozdní práce čerpala inspiraci z moře. Zobrazeno je zde Clamdigger, 1972, který evokuje krátery na pláži. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Nadace Willema de Kooning / Společnost pro práva umělců (ARS), New York)

Sedící muž, 1939, Willem de Kooning. (Dar umělce prostřednictvím Nadace Josepha H. Hirshhorna, 1972 / Hirshhornovo muzeum a sochařská zahrada; © 2011 Nadace Willema de Kooning / Společnost pro práva umělců (ARS), New York)

Královna srdcí, 1943-1946, Willem de Kooning. (Dárek nadace Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhornovo muzeum a sochařská zahrada; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

Zvláštní doručení, 1946, Willem de Kooning. (Dárek nadace Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhornovo muzeum a sochařská zahrada; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

Žena / Verso: Bez názvu, 1948, Willem de Kooning. (Dárek nadace Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Hirshhornovo muzeum a sochařská zahrada; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

Untitled III, 1981, Willem de Kooning. (Částečný dárek Josepha H. Hirshhorna výměnou a nákup muzea, 1982 / Muzeum a sochařství Hirshhorn; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Umělecká práva autorů (ARS), New York)

Studie pro "Žena VI", 1952, Willem de Kooning. (Dárek Josepha H. Hirshhorna, 1966 / Muzeum a sochařská zahrada Hirshhorn; © 2011 Nadace Willema de Kooning / Společnost autorských práv (ARS), New York)

Sedící žena na lavičce, 1972 / obsazení 1976, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhornovo muzeum a sochařská zahrada; © 2011 Willem de Kooning Foundation / Společnost autorských práv (ARS), New York)

FOTOGALERIE

Související obsah

Proč Elaine de Kooning obětovala svou vlastní úžasnou kariéru pro své slavnější manželky
Clyfford Still's Sublime Art
Wayne Thiebaud není popový umělec

To byl také de Kooning. Z malířů, kteří se objevili v New Yorku na konci čtyřicátých a na počátku padesátých let - mezi nimi Jackson Pollock, Mark Rothko a Barnett Newman - de Kooning, který zemřel v roce 1997, zůstává nejobtížnější zachytit: Je příliš vitální, neklidný, jazzy, neslušné a nepředvídatelné, aby se vešly do jednoho konkrétního poháru. Překročil řadu uměleckých hranic, rozlil se mezi abstrakcí a figurací po dobu 50 let - vyjadřoval širokou paletu nálad - bez obav z konvencí konzervativní nebo radikální chuti. Podle Irvinga Sandlera, historika umění, který zaznamenal vývoj poválečného amerického umění, to byl de Kooning, kdo „byl schopen pokračovat ve velké tradici západního malířství a odklonit ho novým směrem, čímž vytvořil avantgardní styl, který promluvil k naší době. “

Retrospektiva de Kooning, která byla otevřena minulý měsíc v Muzeu moderního umění (MOMA) - první věnovaná plnému rozsahu kariéry umělce v sedmileté kariéře - představuje bohatý a jemný pohled na velkého amerického malíře. Pro kurátora emerituse Johna Elderfielda, který přehlídku uspořádal, byla snaha neobvykle osobní: lákadlo de Kooningova umění pomohlo přimět anglicky narozeného Elderfielda, aby se usadil v Americe. Tvrdí, že de Kooning je malíř originality, který vynalezl nový druh moderního obrazového prostoru, dvojznačného. De Kooning se snažil zachovat jak sochařské obrysy, tak „vypouklé, kroucující“ roviny tradiční figurální malby, navrhuje Elderfield, a mělkou obrazovou rovinu modernistického umění, která se nachází v kubistických dílech, například, Picasso a Braque. De Kooning vyvinul několik různých řešení tohoto vizuálního problému a stal se umělcem, který se zdálo, že se nikdy nepřestal pohybovat a prozkoumávat. Ve své vlastní záhadné frázi byl „uklouznutým zábleskem“.

Během 50. let se Kooning stal nejvlivnějším malířem své doby. "Byl uměleckým umělcem, " říká Richard Koshalek, ředitel Smithsonianova muzea Hirshhorn, které má jednu z největších sbírek de Kooningovy tvorby. „Měl velký dopad na velmi širokou škálu umělců.“ Brice Marden, malíř, který byl předmětem retrospektivy MoMA 2006, souhlasí: „Vy jste byli vychováni na de Kooning. Byl pánem. Byl to učitel. “Pro mnohé byl také romantickou postavou s pohledem na filmovou hvězdu a existenčním přepadením, když pil u Cedar Tavern v Greenwich Village s Pollockem a přecházel od milostné aféry k milostné aféře.

Přes jeho úspěch, de Kooning nakonec zaplatil cenu za jeho neochotu sledovat převládající trendy. Jeho neustále se měnící umění - zejména jeho drsné zobrazení žen - bylo během jeho života kritiků a historiků umění stále více ponižováno. Elderfield nenavrhuje, že „snadno zapadá do těch děl, o nichž se má za to, že udržují známou modernistickou historii stále rafinovanější abstrakce.“ Kurátoři na MoMA měli sklon považovat de Kooning po roce 1950 za malíře v úpadku, o čemž svědčí i muzeum vlastní sbírku, která je výrazně silnější v Pollocku, Rothko a Newmanu než v de Kooning.

Spor se skončil: Současná retrospektiva mění. Řada De Kooning nyní vypadá jako síla a jeho svůdný styl - „svůdný“ je vhodným slovem, protože jeho tah štětcem je plný doteku - nabízí malířské potěšení zřídkakdy nalezené v umění dnešní doby.

De Kooning vyrostl poblíž přístavu v tvrdém dělnickém Rotterdamu. Zřídka viděl svého otce Leenderta - jeho rodiče se rozvedli, když byl malý chlapec - a jeho dominantní matka Cornelia, která pečovala o řadu mříží, neustále přemísťovala svou rodinu, aby hledala levnější bydlení. Pravidelně ho bila. Peníze byly krátké. Ve 12 letech se stal učedníkem v elegantní společnosti umělců a řemeslníků v srdci módního Rotterdamu, který se specializoval na design a dekorace. Brzy upoutal pozornost majitelů firmy, kteří ho po práci vyžadovali, aby chodil po práci šest nocí týdně na městskou akademii výtvarných umění.

Jako výsledek, de Kooning dostal silné základy jak v komerčním designu, tak v klasických principech vysokého umění. Byl předčasný; retrospektiva na MoMA zahrnuje pozoruhodný zátiší (1917), který vytvořil na Akademii ve věku 13 let. Musel se však podporovat. Ve věku 16 let de Kooning vyrazil sám, obíhal po bohémských okrajích Rotterdamu a tam a tam sebral zaměstnání. Začal také fantazírovat o Americe, kterou pak mnozí v Evropě považovali za mýtickou zemi mrakodrapů, filmových hvězd a snadných peněz - ale možná ne umění. Když se ukryl na nákladní loď, de Kooning si později vzpomněl, nemyslel si, že by v Americe byli vážní umělci.

Ve svých prvních letech v Americe, zpočátku v Hoboken, New Jersey a poté v New Yorku, žil stejně jako v Rotterdamu, kde pracoval jako komerční umělec a občas maloval ve svém volném čase. Zjistil, že v Americe jsou ve skutečnosti vážní umělci, z nichž mnozí také přežili komerční zaměstnání. Začal trávit čas v kavárnách, které upřednostňoval v Chelsea a Greenwich Village, přes noc mluvil o niklových šálcích kávy. Téměř každý, koho věděl, byl chudý; prodej malby byl vzácný. V tomto prostředí měl trvalý závazek některých umělců - především oddanost Arshile Gorkyho tradici moderního malířství - výrazný dopad na de Kooning.

Gorky, přistěhovalec narozený v Arménii, neměl trpělivost pro ty, kteří se nezavázali k umění. Neměl ani čas na ty, které považoval za provinční nebo menší ve svých ambicích, jako jsou ti, kteří romantizovali venkovskou Ameriku nebo napadli sociální nespravedlnost. („Proletariátové umění, “ řekl Gorky, „je ubohé umění pro chudé lidi.“) Podle Gorkyho, pokud jste to mysleli vážně, jste studoval práci modernistických mistrů, jako jsou Picasso, Matisse a Miró, a vy jste se snažili vyrovnat nebo zlepšit jejich úspěch. Současníci popsali Gorkyho studio na Union Square jako druh chrámu umění. "Velké vzrušení na 36 Union Square, " řekl Ethel Schwabacher, student a přítel Gorkyho, "ležel v pocitu, že to vyvolalo práci, která tam byla, probíhající práce, ve dne i v noci, skrz dlouhé roky vášnivých, disciplinovaných a oddaných snaha."

Gorkyho příklad spolu s vytvořením Federálního uměleckého projektu, který umělcům během Deprese platil životní odměnu, nakonec vedl de Kooning k tomu, aby se zavázal být umělcem na plný úvazek. Ve 30. letech se Gorky a de Kooning stali neoddělitelnými; jejich pokračující diskuse o umění pomohly každému z nich vyvinout se v hlavního malíře. De Kooning, usilující o vytvoření svěžího druhu figurativního umění, často malované, bezmocné, melancholické portréty mužů a, méně často, žen. Pracoval a přepracovával obrázky a snažil se sladit své klasické školení s modernistickým přesvědčením. Mohl by dovolit, aby obrázek opustil své studio, pokud by jej koupil přítel, protože mu byly chronicky málo peněz, ale znechuceně odhodil většinu svých pláten.

Na konci 30. let se de Kooning setkal s mladým studentem umění jménem Elaine Fried. Vdali se v roce 1943. Fried byla nejen krásná, ale její živost odpovídala rezervě Kooninga. Nikdy nešetřila luxusem, ráda říkala, že se o sebe postarají potřeby. Jedna z jejích přátel, umělec Hedda Sterne, ji popsal jako „odvážlivce.“ „Věřila v gesta bez lítosti a potěšila svou vlastní spontánností a nevázaností, “ řekla Sterne. "Byla jsem hodně legrace, " vzpomněla si Elaine později. "Myslím, spoustu legrace." Také považovala de Kooning za významného umělce - mnohem dříve, než se stal jedním z nich - který mohl posílit jeho důvěru.

Čerstvý pocit ženské postavy, nepochybně inspirovaný Elaine, začal procházet uměním de Kooning. Barva se rozjasnila. Hranice klesly. Už se nezdál být omezován jeho klasickým výcvikem: ženy v obrazech nyní hrozily, že se roztrhnou a rozpadnou; rozlišování postavy od země se místy stalo obtížným. Umělec začal ovládat svůj dvojznačný prostor. Zdálo se přirozené, že de Kooning, který instinktivně upřednostňoval pohyb před klidem a nemyslel si, že pravda figurky leží pouze v jeho povrchovém vzhledu, by se začal posouvat po kontinuu z reprezentačního do abstraktního. Přesto i jeho nej abstraktnější obrázky, jak poznamenal de Kooningův učenec Richard Shiff, „buď začaly odkazem na lidskou postavu, nebo začleňovaly figurální prvky podél cesty.“

Pohyb De Kooninga na konci 40. let směrem k méně realistickému zobrazení postavy mohl být zčásti vyvolán příchodem do města dříve v deseti letech řady slavných umělců z Paříže, zejména André Bretona a jeho kruhu Surrealisté, všichni uprchlíci z války. De Kooning nebyl obecně fanouškem surrealismu, ale důraz hnutí na nevědomou mysl, sny a vnitřní život by posílil jeho netrpělivost čistě realistickým zobrazením světa. Surrealisté a jejich patron, socialit Peggy Guggenheim, udělali v New Yorku velký rozruch. Jejich samotná přítomnost inspirovala ambice amerických umělců.

De Kooning přesto zůstal na okraji. Federální umělecký projekt již neexistoval a na moderním americkém umění neexistoval malý ani žádný trh. Právě v tomto temném období začal de Kooning svou velkou sérii černobílých abstrakcí. On a jeho blízký přítel, malíř Franz Kline, nemohli si dovolit drahé pigmenty, jednoho dne skvěle vyšel a koupil levnou černou a bílou smaltovanou domácí barvu a (podle pověsti) s ďábelsko-pečovatelskou opuštěností se začaly objevovat hlavní díla. Nebylo to samozřejmě tak jednoduché. De Kooning pracoval mnoho let, aby dosáhl tohoto okamžiku; a svým způsobem ho moment nyní našel. Hrůza druhé světové války - a popisy holocaustu vycházejícího z Evropy - vytvořilo nové vnímání mezi de Kooningem a některými americkými umělci velkého, byť bezútěšného, metafyzického měřítka. (Také měli před očima, v MoMA, Picassoho mocná monochromatická Guernica z roku 1937, jeho odpověď na fašistické bombardování španělského města.) Na rozdíl od svých evropských současníků nebyli Američané mezi troskami války a oni pocházel z kultury, která oslavovala Whitmanesque bezhraničnost. De Kooning, jehož město narození bylo během války bušeno do suti, byl jak Evropan, tak Američan, dobře umístěný, aby vytvořil obrazy temné vznešenosti. V roce 1948, když mu bylo téměř 44, vystavil v tzv. Galerii Egan Galerii tzv. „Černé a bílé“. Byla to jeho první samostatná show. Jen málo obrázků se prodalo, ale byli široce pozorováni a obdivováni umělci a kritiky.

To bylo také na konci čtyřicátých let, kdy Jackson Pollock začal vyrábět své legendární „kapající“ abstrakce, které namaloval na podlaze svého ateliéru a tkával rytmické přadénka barvy přes plátno. Pollockovy obrazy, také převážně černé a bílé, měly velmi odlišný charakter od de Kooningových. Zatímco obecně abstraktní, de Kooningovy uzlové obrazy zůstaly plné zahlédnutých lidských částí a gest; Pollock's zprostředkoval transcendentní pocit uvolnění ze světa. Názvy dvou největších obrázků v černobílé sérii de Kooning, Attic and Excavation, naznačují, že umělec nemá v úmyslu zapomenout na to, co svět pohřbívá nebo odkládá stranou. (De Kooning se nepochybně těšil posunovacím důsledkům titulů. Podkroví může například odkazovat na skutečné podkroví, navrhnout výšky nebe nebo vzpomenout na starověké Řecko.) Každý obraz je plný figurativního incidentu - otočení ramene zde, otok kyčle tam, ale konkrétní tělo nemůže být rozpoznáno v žádném. "I abstraktní tvary, " řekl de Kooning, "musí mít podobu."

De Kooning dokončil výkop, svůj poslední a největší snímek v sérii, v roce 1950. Poté režisér MoMA Alfred Barr vybral obraz spolu s díly Pollocka, Gorkyho a Johna Marina, aby zastupoval USA na benátském bienále. —Znamená čest všech čtyř amerických modernistů. Novináři si toho všimli. Pollock byl předmětem fotografického šíření v časopise Life v roce 1949. Světlo celebrit se začalo soustředit na to, co bylo nejasným koutem americké kultury. Galerie Sidney Janis, která se specializovala na evropské mistry, nyní začala vysílat de Kooning a další americké umělce jako hodné nástupce Picassa nebo Mondriana. Kritici, kurátoři a obchodníci s uměním začali stále více argumentovat, že pokud jde o umění, New York je nová Paříž.

Na počátku 50. let byl De Kooning malířem rostoucího renomé s abstraktním stylem modrých čipů. Většina jeho současníků věřila, že bude i nadále produkovat obrazy v tomto stylu. Ale v jednom z nejvíce protichůdných a nezávislých akcí v historii amerického umění se vzdal svých černobílých abstrakcí, aby se znovu zaměřil hlavně na ženskou postavu. Téměř dva roky bojoval přes jediné plátno, jeho přátelé se stále více zajímali o jeho pohodu, když neustále upravoval a stíral obraz. Nakonec obraz zoufalství odložil stranou. Pouze zásah vlivného historika umění Meyera Schapira, který ho během studijní návštěvy chtěl vidět, přesvědčil de Kooninga, aby znovu zaútočil na plátno - a dospěl k závěru, že dokončil ženu I (1950–52). Poté rychle dokončil několik dalších ženských obrazů.

De Kooning označil ženu I za úšklebnou bohyni - „spíš jako mezopotamské modly, “ řekl, který „vždy vstal rovně, díval se na oblohu s tímto úsměvem, jako by byli jen udiveni přírodními silami ... ne o problémech, které měli mezi sebou. “Jeho bohyně byly komplikované: najednou děsivé a veselé, starověké a současné. Někteří kritici je přirovnávali k hollywoodským bimbům; jiní je považovali za práci misogynisty. Sochař Isamu Noguchi, přítel de Kooningových, uznal jejich ambivalenci: „Zajímalo by mě, jestli opravdu nenávidí ženy, “ řekl. "Možná je příliš miluje." Hodně komplikací pochází z těkavé směsi vulgárnosti a zdokonalení de Kooningova kartáče. "Krása, " řekl jednou Kooning, "se pro mě stává mazlavým." Líbí se mi groteskní. Je to radostnější. “

Není divu, že de Kooning pochyboval o tom, že jeho představení o nedávné práci v roce 1953 bude úspěšné, a přední umělecký kritik času Clement Greenberg, který si myslel, že de Kooning se v seriálu Žena změnil. K velkému překvapení de Kooning však byla přehlídka úspěchem, a to nejen mezi mnoha umělci, ale i mezi veřejností, která stále více touží po americkém malířství.

De Kooning se najednou ocitl jako hvězda - pravděpodobně první celebrita v moderním americkém uměleckém světě. Jediným malířem na počátku padesátých let srovnatelné nebo vyšší postavy byl Jackson Pollock. Ale Pollock, poté upadající do pokročilého alkoholismu, žil hlavně v Springs (vesnička poblíž East Hampton na Long Islandu) a na Manhattanu byl zřídka viděn. Pozornost se proto zaměřila na de Kooninga, který se stal středem živé scény. Mnozí ho považovali za neodolatelného, s jeho nizozemským námořnickým vzhledem, idiosynkratickou rozbitou angličtinou a okouzlujícím přízvukem. Miloval americký slang. Nazval obrázek „úžasný“ nebo přítel „horkým bramborem“.

V tomto skleníku měl de Kooning mnoho spletitých milostných záležitostí, stejně jako Elaine. (Rozdělili se v padesátých letech, ale nikdy se nerozvedli.) De Kooningova aféra s Joanem Wardem, komerčním umělcem, vedla v roce 1956 k narození jeho jediného dítěte Lisy, kterému se vždy věnoval - ačkoli se nikdy moc nestal denního otce. Také měl dlouhou poměr s Ruth Kligmanovou, která byla Pollockovou přítelkyní a která přežila autonehodu v roce 1956, která zabila Pollocka. Kligman byl ctižádostivý umělec, který toužil po múze pro důležitého malíře a rozzuřenou mladou ženu, která vyvolala hvězdy jako Elizabeth Taylor a Sophia Loren. "Opravdu mi dala olovo do tužky, " řekl de Kooning skvěle.

Po sérii Žena, de Kooning vyvinul řadu abstrakcí (nejznámější je Velikonoční pondělí ), které zachycují odvážný, vířící pocit života v New Yorku v polovině století. V 50. letech zjednodušil tah štětce. Nyní se po plátně začaly šířit dlouhé široké pruhy barvy. Strávil rostoucí množství času v Springs, kde mnoho z jeho přátel mělo letní místa. Fotografie z konce 50. let často odkazují na světlo a barvu krajiny a samozřejmě obsahují figurální prvky. Ruthova Zowie (1957) má jakýsi deklarativní élan a důvěru. (Kligman poskytl titul, když vstoupila do ateliéru de Kooning, a když viděl obrázek, zvolal „Zowie!“) De Kooning sám se nikdy nenaučil řídit auto, ale rád cestoval po širokých nových amerických dálnicích. V roce 1959 umělecký svět pronikl na galerijní otevření toho, co se někdy nazývá jeho dálniční řada: velká, odvážně pohladěná krajina.

De Kooning jako celebrita nikdy nebyl úplně pohodlný. Zčásti vždy zůstával chudým klukem z Rotterdamu. (Když byl představen paní John D. Rockefeller III, která právě koupila Woman II, hemmoval se, hawed a pak rozmazal: „Vypadáš jako milion babek!“) Stejně jako mnozí z jeho současníků začal pít těžce . Na vrcholu svého úspěchu ke konci padesátých let byl de Kooning pijanem, který někdy zmizel více než týden najednou.

V 50. letech napodobovalo de Kooning mnoho mladých umělců; kritici je nazývali malíři „druhé generace“ - tj. stoupenci průkopníků jako de Kooning. V 60. letech se však umělecký svět rychle mění, protože pop a minimalisté, jako jsou Andy Warhol a Donald Judd, přinesli do umění, které bylo cizí pro svěží citlivost de Kooninga, chladnou a vědomou ironii. Tito mladí umělci nechtěli být „druhou generací“ a začali práci staršího malíře propouštět jako příliš chaotickou, osobní, evropskou nebo, jak by to mohl říci de Kooning, starý klobouk.

V roce 1963, když se de Kooning přiblížil věku 60 let, opustil New York City pro Springs s Joan Ward a jejich dcerou. Jeho život na Long Islandu byl těžký. Byl dán melancholii a nesnášel se s ním jako s malířem zanechaným historií. Stále pokračoval v pravidelných ohýbačkách, což někdy skončilo jeho vstupem do nemocnice v Southamptonu. Jeho umění se však nadále vyvíjelo neobyčejně novými způsoby.

De Kooning se ponořil do krajiny dlouhého ostrova. Postavil velké, excentrické studio, které přirovnával k lodi, a stal se známou postavou kolem Springs, na kole po písečných silnicích. Jeho obrazová práce 60. let byla často znepokojivá; jeho chuť na karikaturu a grotesknost, která je patrná u ženy I, byla také nalezena v sexuálně nabitých dílech, jako je The Visit (1966-67), mokrý a šťavnatý obrázek šklebící se žabí ženy ležící na zádech. Na jeho abstraktnějších obrazech se zdálo, že ženské tělo a krajina se stále více spojují s uvolněnou, vodnatou barvou.

De Kooning také začal vyrábět mimořádně taktilní figurální sochy: Clamdigger (1972) vypadal, že je vytažen z pravěku . Obrazy, které následovaly, jako například ... Čí jméno bylo napsáno ve vodě (1975), nebyly o nic méně hmatatelné, ale neměly stejnou blátivost. Extatické erupce vody, světla, odrazu, malování a tělesného pocitu - možná částečný odraz de Kooningovy vášně pro poslední velkou lásku k jeho životu, Emilie Kilgore - obrazy v americkém umění vypadají jako nic jiného. A přesto na konci 70. let de Kooning náhle a obvykle sérii ukončil. Obrázky, řekl, přicházely příliš snadno.

To bylo také na konci 70. let, kdy de Kooning začal vykazovat známky demence. Jeho žena Elaine, která se v tuto chvíli vrátila do svého života, ho začala pečlivě sledovat. Jak se 80. léta oblékaly, stále více záleží na tom, aby pomocníci pohybovali plátny a rozložili své barvy. Někteří kritici znevažovali stále více náhradní obrazy tohoto období. Elderfield však respektuje pozdní styl. V nejlepším z pozdních děl se zdá, že de Kooning sleduje jeho ruku, nenapodobitelný tah štětcem zbavil veškerého břemene a přesto živý jako vždy. "Pak je v životě čas, " řekl v roce 1960, když se unavil z New Yorku, "když se jen projdete: A chodíte ve své vlastní krajině."

De Kooning zemřel 19. března 1997 ve svém studiu na Long Islandu ve věku 92 let. Během svého dlouhého života procestoval obrovskou vzdálenost, pohyboval se mezi Evropou a Amerikou, starým mistrem a modernistou, městem a zemí. De Kooningovo umění, řekl malíř Robert Dash, „vždy se zdá, že se rozloučí.“ De Kooning sám rád říkal: „Musíte se změnit, abyste zůstali stejní.“

Mark Stevens je spoluautorem manželky Annalyn Swan spolu s manželkou Pulitzerovy ceny de Kooning: Americký mistr .