Edvard Munch, který se nikdy oženil, svolal své obrazy svým dětem a nenáviděl je od nich. Žil sám na svém statku u Osla za posledních 27 let svého života, stále více uctívaný a stále více izolovaný, obklopil se prací, která pocházela z počátku jeho dlouhé kariéry. Po jeho smrti v roce 1944, ve věku 80 let, úřady objevily - za zamčenými dveřmi ve druhém patře svého domu - sbírku 1 008 obrazů, 4 443 kreseb a 15 391 tisků, jakož i dřevořezy, lepty, litografie, litografické kameny, dřevořezné bloky, měděné desky a fotografie. Přesto v poslední ironii svého těžkého života je Munch dnes slavný jako tvůrce jediného obrazu, který zakryl jeho celkový úspěch jako průkopníka a vlivného malíře a grafika.
Související obsah
- Gauguinova nabídka na slávu
Munch's The Scream je ikona moderního umění, Mona Lisa pro naši dobu. Když Leonardo da Vinci vyvolal renesanční ideál klidu a sebekontroly, Munch definoval, jak vidíme náš vlastní věk - zmatený úzkostí a nejistotou. Jeho obraz bezsrstého, zkrouceného, fetálního tvora, se širokýma ústy a očima otevřenýma v hrůze hrůzy, znovu vytvořil vizi, která ho chytila, když jednou večer v mládí chodil se dvěma přáteli při západu slunce. Jak to později popsal, „vzduch se proměnil v krev“ a „tváře mých kamarádů se staly zběsilým žluto-bílým“. V uších, které mu vibrovaly, zaslechl „obrovský nekonečný výkřik přírodou“. Udělal dva olejomalby, dva pastely a četné výtisky obrazu; tyto dva obrazy patří do Národní galerie v Oslu a do muzea Munch, také v Oslu. Oba byli v posledních letech odcizeni a muzeum Munchova muzea stále chybí. Krádeže přidaly posmrtné neštěstí a notorii k životu naplněnému oběma a přidaná pozornost k purloinovanému obrazu dále narušila reputaci umělce.
S cílem opravit rovnováhu, hlavní retrospektiva Munchovy práce, první, která se konala v americkém muzeu za téměř 30 let, byla otevřena minulý měsíc v Muzeu moderního umění v New Yorku. „Každý ví, ale každý nezná Muncha, “ říká Kynaston McShine, kurátor MoMA, který výstavu pořádal. "Všichni mají představu, že znají Muncha, ale opravdu ne."
Munch, který se účastní této show, je neklidným inovátorem, jehož osobní tragédie, nemoci a neúspěchy živily jeho tvůrčí práci. „Můj strach ze života je pro mě nezbytný, stejně jako moje nemoc, “ napsal jednou. "Bez úzkosti a nemoci jsem loď bez kormidla ... Moje utrpení je součástí mého já a mého umění. Jsou na nerozeznání od mě a jejich zničení by zničilo mé umění." Munch věřil, že malíř nesmí pouze přepisovat vnější realitu, ale měl by zaznamenávat dopad, který si pamatovaná scéna měla na jeho vlastní citlivost. Jak ukázala nedávná výstava autoportrétu na Moderna Museet ve Stockholmu a Královské akademii umění v Londýně, velkou část Munchovy práce lze považovat za autoportrétu. Dokonce i pro umělce byl výjimečně narcistický. „Munchova práce je jako vizuální autobiografie, “ poznamenává McShine.
Ačkoli začal svou uměleckou kariéru jako student norského malíře Christiana Krohga, který obhajoval realistické zobrazení současného života známého jako naturalismus, vyvinul Munch psychologicky nabitý a expresivní styl pro přenos emočního pocitu. V době, kdy zvedl kartáč na stojan, obvykle již nevěnoval pozornost svému modelu. „Namaľuji to, co vidím, ale to, co jsem viděl, “ vysvětlil jednou. Ovlivněn jako mladý muž svou expozicí v Paříži práci Gauguina a van Gogha, kteří oba odmítli akademické úmluvy oficiálního Salonu, postupoval směrem k zjednodušeným formám a blokům intenzivní barvy s nadšeným cílem vyjadřovat silné pocity. Na začátku roku 1890 Munch v rozrušení opustil třídu váženého pařížského malíře, který ho kritizoval za vykreslení růžové cihlové zdi v zelených odstínech, které se mu objevily v retinálním následku. Způsoby, které antagonizovaly kritiky současného umění, kteří ho obvinili z vystavování „vyřazené polootrhané skici“ a zesměšňování jeho „náhodných kuliček barvy“, začlenil do svých obrazů graffiti podobné skvrny nebo ztenčoval své barvy a nech to volně kapat.
Radikální jednoduchost jeho dřevoryté techniky, ve které často používal pouze jednu brilantní barvu a obnažoval zrno dřeva na výtisku, se stále může zdát překvapivě nová. Pro dřevoryty vyvinul vlastní metodu, nařezal obraz hrubými širokými tahy a rozřezal hotové dřevotřísky do sekcí, které inkarvoval samostatně. Jeho styl grafiky, stejně jako odvážná kompozice a barevná paleta jeho obrazů, by hluboce ovlivnily německé expresionisty počátku 20. století, včetně Ernsta Ludwiga Kirchnera a Augusta Mackeho. Charakteristicky však Munch zastával roli mentora. Raději stál stranou.
„Chtěl být považován za současného umělce, ne za starého pána, “ říká Gerd Woll, hlavní kurátor Munchova muzea. Neohroženě přijal šanci. Návštěvníci jeho ateliéru byli šokováni, když viděli, že nechal své obrazy venku za každého počasí. „Od prvních let Munch kritizoval, že své obrazy nedokončil, byly to náčrtky a začíná, “ říká Woll. „To byla pravda, pokud je porovnáte s malbami v salonu. Ale chtěl, aby vypadali nedokončeně. Chtěl, aby byly syrové a drsné, a ne hladké a lesklé.“ Byla to emoce, kterou chtěl vykreslit. „To by nemělo být namalováno na židli, “ napsal jednou, „ale to, co člověk při pohledu na to cítil.“
Jednou z Munchových nejstarších vzpomínek byla jeho matka, uzavřená tuberkulózou, která se zoufalě dívala ze svého křesla na pole, která se táhla za oknem jejich domu v Kristiania (nyní Oslo). Zemřela v roce 1868 a nechala Edvarda, pětiletého, jeho tři sestry a mladšího bratra, aby se staral o svého mnohem staršího manžela, křesťana, doktora plného religiozity, která často ztmavla do ponurého fanatismu. Edvardova teta Karen přišla žít s rodinou, ale nejhlubší náklonnost chlapce byla u Sophie, jeho starší sestry. Její smrt o devět let později ve věku 15 let, také tuberkulózy, ho trhala na celý život. Zemřela a požádala, aby byla zvednuta z postele a umístěna na židli; Munch, který namaloval mnoho kompozic své nemoci a posledních dní, si nechal židli až do své smrti. (Dnes je ve vlastnictví Munchova muzea.)
Spojení Edvardovy bídy bylo jeho vlastním křehkým zdravím. Jak Sue Prideaux popisuje ve své nové biografii, Edvard Munch: Za The Scream, měl jako chlapec tuberkulózu a plival krev. Jeho otec upřednostňoval příští svět (alarmující rys u lékaře) jen zesílil synovo pocity smrti. Jeden z Munchových nejlepších autoportrétu, litografie z roku 1895, zobrazuje jeho hlavu a duchovně vypadající límec zhmotňující se na černém pozadí; tenký bílý pruh v horní části práce obsahuje jeho jméno a rok, a odpovídající pruh dole obsahuje kostrové rameno. „Zdědil jsem dva nejstrašidelnější nepřátele lidstva - dědictví spotřeby a šílenství - nemoc a šílenství a smrt byli černé andělé, kteří stáli u mého kolébky, “ napsal v nedatovaném soukromém časopise. V nekonečné ságy běda jedna z Edvardových sester strávila většinu svého života institucionalizovaným pro duševní nemoci a jeho jeden bratr, který vypadal atypicky robustní pro Munch, náhle zemřel na zápal plic ve 30. letech. Pouze jeho nejmladší sestra Inger, kteří se stejně jako on nikdy nevdali, přežili do stáří.
Edvardův předčasný talent byl rozpoznán brzy. Jak rychle se jeho umění (a jeho osobnost) vyvinulo, lze vidět ze dvou autoportrétů. Malý profil ve třech čtvrtinách na kartonu, malovaný v letech 1881-82, když mu bylo pouhých 18 let, zobrazuje jemný štětec a akademickou korektnost klasického dobrého vzhledu umělce - rovný nos, amorové úklony, silnou bradu. O pět let později je Munchův paletový nůž ve větším autoportrétu impresionistický a skvrnitý. Jeho vlasy a krk se rozostřují do pozadí; jeho snížený pohled a brada svržená mu propůjčily drsný vzduch; a červené okraje jeho očí naznačují boozy, bezesné noci, začátek dlouhého sestupu do alkoholismu.
Pro celovečerní portrét v roce 1889 Hanse Jaegera, nihilisty v samém srdci bohémského davu v Kristianii, s nímž Munch stále více bratroval, položil umělec notoricky známého spisovatele do křesla s pohovkou se skleněným pohárem na stole z něj a klobouk na čele. Jaegerova hlava je šikmá a jeho oči vyčnívají vpřed v póze jak arogantní, tak i rozpuštěné. Spolu s psychologickou věrností přesvědčivý portrét demonstruje Munchovo povědomí o nedávném vývoji malby. Zkrácené modrobílé štětce Jaegerova kabátu naznačují impresionismus, zejména dílo Cézanne, které Norové mohli vidět na výletech do Paříže v letech 1885 a 1889.
Pro Christiana Muncha, který se snažil platit výdaje za vzdělání svého syna, bylo Edvardovo spojení s pochybnými společníky zdrojem úzkosti. Také Edvard byl roztrhaný. Ačkoli postrádal víru svého otce v Boha, zdědil však svůj pocit viny. Poté, co se později zamyslel nad svými českými přáteli a jejich objetím svobodné lásky, napsal: „Bůh - a všechno bylo svrženo - všichni zuřili v divokém, rozzuřeném tanci života ... Ale nemohl jsem se osvobodit od svého strachu ze života a myšlenky na věčný život. “
Jeho první sexuální zkušenost se zjevně odehrála v létě 1885, když mu bylo 21, s Millie Thaulowovou, manželkou vzdáleného bratrance. Setkali se v lesích poblíž půvabné rybářské vesnice Aasgaardstrand. Byl šílený a nadšený, zatímco vztah trval a trápil a pustl, když to Millie ukončil po dvou letech. Téma opuštěného muže a dominantní ženy fascinovalo Muncha. V jednom z jeho nejslavnějších obrazů, Vampire (1893-94), lze vidět zrzavou ženu, jak jí píchla ústa do krku milence, který vypadal jako truchlící, a její kadeřky se nad ním stékaly jako jedovaté úponky. V dalším významném malířství se jeho divák dívá na popel z roku 1894, který připomíná Millie, její bílé šaty rozepnuté, aby odhalily červený skluz, ruce zvednuté do stran její hlavy, zatímco rozrušená milenka drží hlavu v zoufalství.
Munch byl v Paříži v listopadu 1889, když mu přítel vydal dopis. Ověřil, že to obsahovalo špatné zprávy, rozloučil se s přítelem a šel sám do nedaleké restaurace, opuštěný s výjimkou několika číšníků, kde četl, že jeho otec zemřel na mrtvici. Ačkoli jejich vztah byl plný - „Nerozuměl mým potřebám; nechápal jsem, co si nejvíce cení, “ poznamenal Munch jednou - smrt ho osvobodila. Teď, když byl hlavou finančně naléhavé rodiny, byl vytržen zodpovědností a sevřel lítost, že nebyl, když zemřel, se svým otcem. Kvůli této nepřítomnosti nemohl uvolnit své pocity smutku do obrazu scény smrti, jako to udělal, když zemřela jeho matka a jeho sestra Sophie. Noc v Saint Cloud (malované v roce 1890), náladový modrý interiér jeho příměstského bytu v Paříži, zachycuje jeho stav mysli. V něm zírala stínovaná postava v cylindru - jeho spolubydlící, dánský básník Emanuel Goldstein - z okna na jasná světla na řece Seině. Večerní světlo protékající třpytivým oknem vrhá na podlahu symbolický vzor kříže, který evokuje ducha jeho oddaného otce.
Po otcově smrti se Munch pustil do nejproduktivnější - pokud nejtěžší - fáze svého života. Rozdělil svůj čas mezi Paříž a Berlín a provedl řadu obrazů, které nazval Frieze of Life . Jako součást seriálu vytvořil 22 děl pro výstavu vlysu v Berlíně z roku 1902. Navrhujíce jeho stav mysli, obrazy nesly takové tituly jako Melancholie, Žárlivost, Zoufalství, Úzkost, Smrt v nemocnici a Výkřik, které namaloval v roce 1893. Jeho styl se během tohoto období dramaticky liší v závislosti na emocích, které se pokoušel komunikovat v konkrétním malířství. Obrátil se k secesní drzosti pro Madonnu (1894-95) a stylizovaného, psychologicky naloženého symbolismu pro sen letní noci (1893). Ve svém vynikajícím autoportrétu s cigaretou z roku 1895, malovaným, zatímco byl horečně zapojen do Frieze of Life, použil blikající štětce Whistlera, škrábání a tření na sako, takže jeho tělo vypadalo stejně evanescentně jako kouř, který se táhne z cigarety, kterou drží doutnající poblíž svého srdce. V Smrt v nemocnici, pohyblivé evokování Sophie smrti malované v 1893, on přijal odvážné grafické obrysy van Gogh, Gauguin a Toulouse-Lautrec. V tom se on a jeho sestry staví v popředí, zatímco jeho teta a modlící se otec chodí do umírající dívky, která je zakryta jejím křeslem. V rozlehlém prostoru, který odděluje živé sourozence (vyobrazené jako dospělé) od jejich umírající sestry, je oko diváka přitahováno k uvolněné posteli a zbytečným lékům vzadu.
Vlys získal v Berlíně široké schválení a Munch byl najednou sbírkový. „Z kombinace surového skandinávského potěšení v barvě, vlivu Manetu a zálibu pro snění, něco docela zvláštního pramene, “ napsal jeden kritik. „Je to jako pohádka, “ radoval se Munch v dopise své tetě. Ale přes jeho potěšení z jeho opožděného úspěchu Munch zůstal zdaleka šťastný. Některé z nejsilnějších obrazů v sérii byly ty, které dokončil v poslední době, zaznamenávání milostné aféry, která vyvolala bídu, kterou často pro své umění požadoval.
V roce 1898 se Munch při návštěvě Kristianie setkal se ženou, která se stala jeho krutou múzou. Tulla Larsen byla bohatou dcerou předního obchodníka s vínem Kristianie a ve 29 letech byla stále svobodná. Munchovi biografové se při rekonstrukci trápeného vztahu spoléhali na své někdy protichůdné a zdaleka nezaujaté účty. Nejprve se podíval na Larsena, když dorazila do jeho ateliéru ve společnosti umělce, s nímž sdílel prostor. Od začátku ho agresivně pronásledovala. Ve svém vyprávění začala jejich aféra téměř proti jeho vůli. Utekl - do Berlína a pak na celoroční pomíjení po celé Evropě. Následovala. Odmítl by ji vidět, pak podlehl. Vzpomněl si na svůj vztah v Tanci života v letech 1899-1900, který byl položen v noci na slunovratu v přímořské vesnici Aasgaardstrand, kde kdysi vyzkoušel Millie Thaulow a kde v roce 1897 koupil malou chalupu. Uprostřed obrázku volná mužská postava představující Muncha, tančí se ženou v červených šatech (pravděpodobně Millie). Jejich oči se nesetkávají a jejich ztuhlá těla udržují nešťastnou vzdálenost. Vlevo je Larsen viděn, zlatovlasý a benevolentně se usmívá, v bílých šatech; napravo se znovu objeví, tentokrát se zamračila v černých šatech, její tvář byla tmavá jako oděv, který nosí, oči sklopené v bezútěšném zklamání. Na zeleném trávníku tančí jiné páry chtíčně v tom, co Munch nazval „zničeným tancem života“ - tancem, který se neodvážil připojit.
Larsen toužil po Munchovi, aby si ji vzal. Jeho chalupa Aasgaardstrand, která je nyní domovým muzeem, obsahuje starožitný svatební truhlu, vyrobenou pro nevěsty trousseau, kterou mu dala. Přestože psal, že dotek jejích „úzkých, vlhkých rtů“ se cítil jako polibek mrtvoly, podřídil se jí impregnacím a dokonce zašel tak daleko, že podal nevrlý návrh. „Podle mého trápení bys byl alespoň šťastnější, kdybychom se vzali, “ napsal jí. Když přišla do Německa, aby mu předložila potřebné doklady, ztratil je. Trvala na tom, že cestují do Nice, protože Francie tyto dokumenty nevyžadovala. Jednou tam utekl přes hranice do Itálie a nakonec do Berlína v roce 1902, aby uvedl výstavu Frieze of Life .
To léto se Munch vrátil do své chaty v Aasgaardstrandu. Hledal mír, ale těžce pil a veřejně se hádal, ale nenašel ho. Poté se po více než roční nepřítomnosti znovu objevil Larsen. Ignoroval její předehry, dokud ho její přátelé neinformovali, že je v sebevražedné depresi a užívá velké dávky morfinu. Neochotně souhlasil, že ji uvidí. Tam byl hádka a nějak - celý příběh je neznámý - střílel se revolverem, ztratil část prstu na levé ruce a také způsobil na sobě méně zřejmé psychologické zranění. Náchylný k přehnaným pocitům pronásledování - například ve svém obraze Golgotha z roku 1900 se zobrazil přibitý na kříži - Munch zvětšil fiasko ve své mysli, dokud nepřevzal epickou stupnici. Popsal se ve třetí osobě a napsal: „Všichni na něj hleděli jeho deformovanou rukou. Všiml si, že ti, s nimiž sdílí stůl, byli znechuceni pohledem na jeho příšernost.“ Jeho vztek se zintenzivnil, když se Larsen, krátce poté, oženil s jiným umělcem. „Zbytečně jsem se obětoval za děvku, “ napsal.
V příštích několika letech jeho pití, které bylo příliš dlouhé, bylo nekontrolovatelné. „Vztek se teď stále častěji objevoval, “ napsal ve svém časopise. „Nápoj jim chtěl uklidnit, obzvláště ráno, ale když jsem nosil den, zlobil jsem se.“ Jakkoli byl obdařen, stále dokázal produkovat část své nejlepší práce, včetně filmu (popraveného v několika verzích), ve kterém se používá jako vzor pro zabitého francouzského revolucionáře Marata a Larsena je obsazen jako Maratův vrah, ponurý, neúprosná Charlotte Cordayová. Jeho autoportréty z roku 1906 s lahví vína, ve které se maluje sám u stolu restaurace, pouze talíř, láhev vína a sklenice, svědčí o intenzivním znepokojení. V téměř prázdné restauraci stojí za ním dva číšníci, vyvolávající prostředí, ve kterém četl o smrti svého otce.
Na podzim roku 1908 se Munch v Kodani zhroutil. Slyšel halucinatorní hlasy a trpěl ochrnutím na levé straně a jeho starý spolubydlící z bytu Saint-Cloud, Emanuela Goldsteina, ho přesvědčil, aby se zaregistroval do soukromého sanatoria na okraji města. Tam snížil pití a znovu získal mentální stabilitu. V květnu odešel, energicky a dychtivě se vrátil ke svému stojanu. Téměř polovina jeho života zůstala. Většina historiků umění by však souhlasila s tím, že velká převaha jeho nejlepší práce byla vytvořena před rokem 1909. Jeho pozdní roky by byly méně bouřlivé, ale za cenu osobní izolace. Odráží tento pohled, MoMA věnuje méně než pětina přehlídky k jeho po 1909 výstupu. „V jeho pozdějších letech, “ vysvětluje kurátorka McShine, „není tolik malebných obrazů, jaké byly, když byl zapojen do života.“
V roce 1909 se Munch vrátil do Norska, kde začal pracovat na důležité sérii nástěnných maleb pro montážní halu na univerzitě v Oslu. Dekorace Aula, jak jsou známé nástěnné malby, stále signalizovaly Munchovo nové odhodlání dívat se na světlou stranu, v tomto případě docela doslova, s vrcholem oslnivého slunce. V nově nezávislém Norsku byl Munch považován za národního umělce, stejně jako tehdy nedávno zesnulý Henrik Ibsen a Edvard Grieg jako národní spisovatel a skladatel. Spolu s jeho novou slávou přišlo bohatství, ale ne vyrovnanost. Munch si udržel odstup od střídavě zbožňující a opovržlivé veřejnosti a stáhl se do Ekely, 11 akrového panství na okraji Osla, které koupil v roce 1916 za částku odpovídající ceně dvou nebo tří jeho obrazů. Někdy bránil svou izolaci podle potřeby, aby vytvořil svou práci. Jindy naznačil, že je nutné zachovat jeho zdravý rozum. „Druhá polovina mého života byla bitva, jen abych se udržel ve vzpřímené poloze, “ napsal na začátku 20. let.
V Ekely se Munch ujal krajinomalby, zobrazující krajinu a zemědělský život kolem něj, nejprve veselou barvou, později v tmějších tónech. Také se vrátil k oblíbeným obrázkům a vytvořil nová ztvárnění některých obrazů Frieze of Life . V pozdějších letech Munch finančně podporoval své přeživší členy rodiny a komunikoval s nimi poštou, ale rozhodl se je nenavštívit. Většinu času strávil v samotě a dokumentoval trápení a rozhořčení jeho postupujících let. Když byl při velké pandemii v letech 1918-1919 zasažen téměř osudnou chřipkou, zaznamenal svou vychrtlou, vousatou postavu do série autoportrétu, jakmile si mohl vzít kartáč. V roce 1930, poté, co do jeho pravého oka praskla krevní céva a zhoršil jeho vidění, namaloval v takových pracích, jako je autoportrét během oční choroby, sraženina, jak se mu zdála - velká nepravidelná fialová koule. Někdy dal kouli hlavu a ostrý zobák, jako démonický dravec. Nakonec odletěl; jeho vize se vrátila k normálu.
V autoportrétu mezi hodinami a postelemi, který pochází z let 1940-42, krátce před Munchovou smrtí, můžeme vidět, co se stalo s mužem, který, jak napsal, visel zpět od „tance života“. Vypadal ztuhle a fyzicky trapně, stojí zaklíněný mezi starými hodinami a postelí, jako by se omlouval za to, že zabral tolik prostoru. Na zdi za ním jsou umístěny jeho „děti“, jedna nad druhou. Jako oddaný rodič za ně obětoval vše.
