Spojování současnosti s minulostí je ústředním posláním historiků, zejména historiků, kteří pracují v muzeích. Nová výstava „Temná pole republiky“, kterou jsem kurátorem pro Národní galerii portrétů, se zaměřuje na fotografii Alexandra Gardnera, studenta Mathew Bradyho, který byl mezi prvními, kdo dokumentoval hrůzy bojiště občanské války. Během hrdinného a tragického středního období amerického 19. století pomohly v moderním světě ohromit Gardnerovy šokující obrazy mrtvých.
Související obsah
- Alexander Gardner se sám viděl jako umělec a vytvořil obraz války ve všech svých brutalitách
- Proč nemůžeme odvrátit naše oči od grotesky a strašidelnosti?
- Živé obrazy obětí občanské války inspirují Inner Muse učence
Martha McDonald, výkonná umělkyně z Philadelphie, byla ve svých dřívějších dílech The Lost Garden (2014) a The Weeping Dress (2012) a když jsme ji požádali, aby vytvořila kus, který bude doprovázet a zesílit témata Gardnerovy show, ochotně souhlasila.
Gardner byl jednou z hlavních postav fotografické revoluce v umění a kultuře, ke které došlo ve Spojených státech a Evropě v polovině 19. století. Gardner, který se narodil v Skotsku a na pozadí dělnické třídy, byl fascinován vznikající technologií fotografie a našel zaměstnání v Bradyho ateliéru, pro kterého fotografoval portrétní fotografie, a co je nejdůležitější, začal fotografovat bitevní prostředí občanské války. Úspěch jeho fotografií na jeho 1862 výstavě, “mrtvý u Antietam” dovolil Gardnera vyrazit na jeho vlastní, založit jeho vlastní galerii ve Washingtonu, a pokračovat v fotografování války a pozdnější amerického západu.
Výstavu podpoří umělecké a kulturní programy v oblasti poezie, tance a performance. McDonald, který byl v procesu vytváření její práce Hospital Hymn: Elegy for Lost Solders, se se mnou posadil, aby prodiskutoval její umělecké záměry a účely, jakož i svou kariéru jako performanční umělkyně. Kus bude debutovat 17. října v muzeu.
David Ward: Budova Galerie portrétů byla používána jako sklad vojsk, jako nemocnice a Walt Whitman pracoval v této budově jako zdravotní sestra. Jak moc se historie budovy promítla do toho, jak jste si představili svou práci?
Při mé první návštěvě na místě mě okamžitě zaujala myšlenka, že tato nádherná majestátní budova byla kdysi plná nemocných a umírajících. Začal jsem přemýšlet o všech duchech, které byly v budově stále přítomny, a já si myslel, že tohle je opravdu bohaté území. Z té návštěvy jsem odešel domů a přečetl jsem Whitmanovy Dny vzorků, což je z velké části o jeho době jako zdravotní sestry během občanské války. Whitman píše konkrétně o návštěvě vojáků v nemocnici patentového úřadu ao tom, jak divné bylo vidět všechny postele seřazené vedle případů patentových modelů, zejména v noci, když byly osvětleny. Šokovalo mě, jak byl Whitman posedlý a zlomeným srdcem ohledně „neznámého vojáka“ - tisíce vojáků Unie a Konfederace, kteří zemřeli daleko od domova, bez rodiny nebo přátel, a kolik jich bylo hromadně pohřbeno, neoznačeno hroby, nebo vůbec pohřbené, nechaly se rozkládat v lese nebo na bojišti.
Druhá věc, která mě zasáhla, byla Whitmanova fascinace tím, jak příroda sloužila jako druh svědectví utrpení a ztráty války. Představuje si vojáka zraněného v bitvě, plazícího se do lesa, aby zemřel, jeho tělo chybělo pohřebním oddílům, které přišly o několik týdnů později během příměří. Whitman píše, že voják „se rozpadá na mateřskou zemi, nezbavený a neznámý.“ Nyní z četby Drew Gilpina Faustovy Republiky utrpení vím, že to nebyl jen představitelný incident, ale ten, který se stal tisícům vojáků ve válce. Jak Dny vzorků, tak Whitmanovy pozdější básnické občanské války naznačují, že těla těchto neznámých vojáků se stala kompostem národa - jejich duchové nyní přítomní v každém stéblu trávy, v každé kladce pšenice a v každém květu. Píše: „… nekonečná mrtvá - celá země nasycená, parfémovaná s jejich nenapadnutelným výdechem popela v přírodní chemii destiluje, a bude tak navždy, v každém budoucím obilí pšenice a klasu kukuřice a každé květině, která roste. a každý dech, který čerpáme ... “
Výkonná umělkyně Martha McDonald uvedla premiéru své nové práce Nemocnice hymna: Elegy pro ztracené vojáky v Národní galerii portrétů 17. října 2015 v 13 hodin (Fotografie Kelly Cobb) DW: Gardnerovo portfolio „Mrtví v Antietamu“ vyvolalo senzaci, když bylo vystaveno v New Yorku v říjnu 1862. New York Times komentoval, že fotografie mají „hroznou odlišnost“, která přinesla realitu války domů civilistům. Chtěli byste si trochu promluvit o tom, jak se témata výstavy promítla do toho, jak jste koncept pojali?
Přemýšlel jsem o tom, jak mohu vyjádřit tuto myšlenku při představení ve Velké síni a měl jsem tuto vizi naplnění celé haly červenými cítilými květinami - druhem květů, které v ní mohla mít truchlící vdova, matka nebo sestra. 19. století kreslící místnost z hedvábí, papíru nebo vosku na památku jejího ztraceného milovaného člověka. Představoval jsem si to jako hromadu práce celého tohoto zármutku, zármutku národa smutků.
Pak jsem měl nápad navrhnout dočasnou nemocnici obložením haly vojenskými postýlkami pokrytými bílými plachtami a že bych dal červené květy do polštářových pouzder a uvolnit květiny v představení rozříznutím každého polštáře, abych naznačil, že rány mají tendenci nemocnice patentového úřadu a krev, která byla prolita. Chtěl jsem navrhnout jak ztrátu života, tak i práci smutku, kterou vykonali všichni ti, kteří zůstali pozadu, kteří se snažili truchlit nad svými blízkými, aniž by tělo pohřbili.
To je podobný problém, kterému truchlící čelili po 11. září. Tato otázka, jak truchlíte bez těla, je pro mě důležitá. Takže tisíce květů, které uvolním, naznačují obrovskou ztrátu, ale jsou také symboly obnovy a znovuzrození, jak naznačují Whitmanovy kompostové snímky květů vyvěrajících z temných bojových polí.
DW: Byli jsme pro vás přitahováni kvůli vaší práci, která ztělesňovala smutek. A vedli jsme rozhovory o názvu výstavy „Dark Fields“, která naznačuje váhu a tragické aspekty klíčového období americké historie.
Na výstavě je fotografie Alexandra Gardnera, která ukazuje těla mrtvých vojáků seřazených na bojišti před jejich pohřbením. Když jsem poprvé viděl fotografii, byl jsem ohromen pouhým počtem mrtvých, ale také mi připadalo zvláštně krásné, jak jejich těla tvořila dlouhý oblouk přes pole. Je to téměř sochařské.
Když se podívám na kopii fotografie, kterou mám zavěšenou na zdi ve svém ateliéru, a pak se dívám na hromadu červených květů na postýlce, kterou jsem tam postavil, vypadá to, že moje červené květy lze také považovat za stojan -v případě ztracených vojáků, pouhý objem květů naznačuje obrovskou ztrátu člověka. Fotografie Gardnera informují diváky o mém lyričtějším přístupu k tématu.
Vyrobím také malou brožuru pro publikum podobné velikosti jako malé notebooky, které Whitman držel při návštěvě vojáků. Brožura bude obsahovat některé základní informace o tom, jak Patentový úřad používá nemocnici a roli Whitmana, jakož i texty písní, které zpívám. Lidé z toho také dostanou trochu vzdělání.
Za kus, který udělala na viktoriánských rituálech smutečních šatů, se umělkyně Martha McDonald naučila umřít v tkaninách někdy obarvených na kůži. ( Plačící portrét (skvrny od slz), 2010, fotografie Matthew Stantona) DW: Myslím, že zapomínáme, jak hlučný obyčejný život byl kolem roku 1850-80 - nemluvě o množství hluku v bitvě jako Gettysburg - a podobně i zápach a vůně té doby. Lidé si dnes neuvědomují, jak nepříjemné to bylo - hovno koní po ulicích, opalovací mlýny, nesolená těla, oblečení, které nebylo nikdy vyčištěno. Kolik z toho vám přinese práce?
Ó, vůně 19. století! Dokážu si jen představit hrůzu toho všeho! Čtení Whitmanových Dnů vzorků a Faustovy republiky utrpení mi určitě dávalo pocit zatuchlých pachů, které by se kroužily kolem táborů, nemocnic a bitevních polí v občanské válce, ale města byla také pěkně páchnoucími ptáky.
Hodně jsem přemýšlel, když jsem zkoumal viktoriánské smuteční šaty a jak nestabilní barviva na bázi rostlin obarvila ženská těla. Lidé se koupali tak zřídka, skvrny visely po dlouhou dobu, někdy i dlouho poté, co se odstěhovaly smutku. Recepty, které jsem našel v dámských časopisech na odstranění skvrn, se zdály být hrozné - hlavní věc, kterou použili, byla kyselina šťavelová, kterou používáte k čištění stříbra. V tomto díle se nijak nezabývám pachy 19. století, ale zajímám se o navrhované další smyslové zážitky z období - zvuk nohou se odráží v chodbě při chůzi od postýlky k postýlce, hrubá textura plstěných květů proti křupavosti bílých listů.
DW: Pojímáme minulost prostřednictvím písemných dokumentů nebo portrétů - před 20. stoletím bylo málo nahrávek - máme tendenci myslet na minulost jako na ticho, o kterém si myslím, že hraje při naší romantizaci - zmrazené v tichu jako výstava za sklem. Jak to vyřešíte?
Budu zpívat řadu starých kostelní písní, které byly populární v době občanské války, některé vzaté z posvátné harfské tradice na jihu a jiné, které jsou severními lidovými hymny, jako „The Shining Shore“. Nedávno jsem to četl [hymnu ] byl velmi oblíbený u vojáků během války, ale že vypadl z módy, protože to příliš připomínalo veteránům válku. Malý zázrak se svým sborem: „Prozatím stojíme na jordánském prameni / Naši přátelé míjejí / A těsně před Shining Shore / téměř jsme objevili.“
DW: Jak tyto hymny hrají ve vašem výkonu?
Hudba, kterou budu zpívat, je založena na Whitmanově vzpomínce na to, že jsem v noci v noci chodil do zbrojnice a slyšel skupinu sester zpívajících vojákům. Popisuje písně jako „deklamační hymny“ a „kuriózní staré písně“ a uvádí některé texty pro „The Shining Shore“, které se nyní učím. Popisuje pohled na „muže ležícího nahoru a dolů po nemocnici v jejich postýlkách (někteří vážně zranění - někteří nikdy nevstanou odtud), postýlky samy se závěsy bílých záclon a stínů“, které vrhají. Jak naklonili hlavy, aby naslouchali.
Říká, že někteří z mužů, kteří nebyli tak daleko, zpívali spolu se sestrami. Překvapilo mě, když jsem četl tu pasáž o zpěvu v nemocnicích, ale pak jsem si vzpomněl na všechny účty, které jsem četl o rodinách 19. století zpívajících doma pro rekreaci a zpěvu kolem postele nemocného nebo umírajícího, které miloval, a připomnělo mi to jak všudypřítomná hudba (nebo „domácí hudba“, jak Whitman nazval svůj příspěvek o pěveckých sester), byla v 19. století. Lidé zpívali pro každou příležitost.
A jak jsem již zmínil dříve, zpěv poskytoval lidem způsob, jak vyjádřit intenzivní emoce - příliš intenzivní pro zdvořilou společnost - jako smutek a ztráta. Jsem velký věřící v léčivou sílu smutné písně. Když zpívá nářek, zpěvák zve posluchače, aby přišli do styku s vlastním zármutkem. Představení nářku nebo smutného hymnu vytváří prostor pro lidi, aby plakali nebo prožívali své emoce na veřejnosti způsobem, který je hluboce uzdravující, protože umožňuje posluchačům žít vlastní osobní dramata v davu jednotlivců, kteří každý zpracovávají jejich vlastní zármutek nebo jiné hluboké emoce.
DW: Vyvinuli jste řadu kusů, které čerpají z americké historie, kterou jako americký historik musím pochválit. Co tě přitahuje k minulosti?
Moje práce se účastní dialogu mezi minulostí a současností. Zjistil jsem hlubokou rezonanci s řemesly a lidovými písněmi, které lidé používali v 18. a 19. století, aby se vypořádali a vyjádřili pocity ztráty a touhy. Tyto historické umělecké formy používám ve svých představeních a instalacích jako způsob, jak vyjádřit své vlastní ztráty a touhy a prozkoumat přítomnost a nepřítomnost. Dívám se do minulosti, abych přemýšlel o současnosti, ale rozhodně nejsem jediný americký umělec, který hledá naši historii jako zdroj inspirace.
DW: Mám pocit, že současní umělci nejsou takoví, kteří se zajímají o americké dějiny, jako zdroj nebo inspirace - mýlím se?
Moje práce může být kontextualizována ve skupině současných umělců zabývajících se historií a folklórem, aby prozkoumala osobní příběh a přemýšlela o současném sociálně-politickém klimatu, umělci jako Dario Robleto, Allison Smith a Duke Riley. Tito umělci vhodné lidová řemesla zprostředkovávají své osobní vyprávění, včetně vlasové práce 19. století a vojáků příkopového umění (Robleto), námořnického scrimshawu a tetování (Riley) a kostýmů rekvizitorů občanské války (Smith).
V Muzeu současného umění v Houstonu (2008) proběhlo několik nedávných výstav současných umělců, včetně „The Old Weird America: Folk Themes in Contemporary Art“ v Muzeu současného umění v Houstonu (2008) a „Ahistoric Occasion: Artists Making History“ v MASSMoca (2006). které ukazují šířku tohoto trendu.
DW: Jste odhodlaná feministka, mohli byste mluvit o tom, jak se zotavujete ženským hlasům jako o aspektu našeho vyvíjejícího se historického porozumění.
Vždy jsem se zajímal o oživování ženských hlasů v mé práci - ať už se dívám na ženské stereotypy v opeře, literatuře a mytologii, jak jsem to dělal ve své rané práci, nebo zkoumám historii žen jako nositelů paměti v mé nedávnější práci. Být feministkou je nedílnou součástí mé umělecké praxe.
Moje práce je jakousi performativní reakcí na sociální historii žen, a to v celé své bohatosti, složitosti a neviditelnosti. Existuje opravdu skvělá kniha, kterou jsem nedávno četl, nazvanou Ženy a hmotná kultura smrti, která se zabývá obnovením převážně neviditelné práce, kterou ženy po staletí prováděly na památku ztracených milovaných a udržování paměti rodin, komunit a země naživu. Drew Gilpin Faust se ve své knize věnuje také klíčové úloze, kterou ženy hrály v léčení národa po občanské válce.
Těmito řemeslnými formami jsem inspirován jako umělec, ale také si myslím, že je důležité, aby o nich lidé věděli jako o materiálních praktikách, které pomohly společnosti řešit a žít se smrtí a ztrátami. Současná společnost tyto rituály postrádá. Popíráme smrt a stárnutí. Výsledkem je, že jsme úplně mimo kontakt s naší vlastní nestálostí, která způsobuje nejrůznější problémy, jako je chamtivost, zločiny z nenávisti, ničení životního prostředí atd.
Doufám, že moje práce lidem připomíná nestálost a přemýšlení o jejich vlastních životech a o tom, jak by mohli některé z těchto rituálů přizpůsobit tváři a žít se ztrátou, která je všude kolem nich.
DW: Promluvte si trochu o svém uměleckém vývoji nebo trajektorii a o tom, jak jste byli původně vyškoleni.
Obvykle na sebe odkazuji jako na interdisciplinární umělce. Provádím instalace a objekty, které aktivuji ve výkonu, abych předal příběh. Za posledních 10 let se moje práce hodně zaměřila na konkrétní zásahy do muzeí a zahrad historických domů, kde čerpám z místa a jeho příběhů, abych prozkoumala, jak se tato veřejná místa spojují se soukromou historií a emocionálními stavy.
Moje umělecká praxe se rozvíjela docela nekonvenční trajektorií. Začal jsem pracovat jako novinář. Byl jsem spisovatelem novin a časopisů. Zpíval jsem také s profesionálními barokními soubory - vystupoval v kostelech a koncertních sálech. V polovině 90. let jsem ve Philadelphii procházel cestami s podivnější, vysoce zpolitizovanou scénou umělecké performance, vystupoval v kabaretech a nočních klubech.
Když jsem zpíval své barokní árie v tomto prostředí drahých královen a aktivistů proti AIDS, objevil jsem silný potenciál kostýmů, abych mohl vyprávět příběh. V tomto super divadelním prostředí, vychovávaném benevolentními drag queens, jsem vyvinul výkonné kousky, které čerpaly z artifice barokní opery a mytologických postav, které je obkličovaly, aby prozkoumaly pohlaví, identitu a moc a mé vlastní osobní příběhy.
Vycházel jsem ze svého žurnalistického prostředí, abych provedl těžký výzkum a psal monology, které jsem mluvil s publikem. Udělal jsem kousek o mořských pannách, sirénách a harfách - napůl ženách / napůl šelmách, které se nezapadají na pevninu, moře nebo vzduch - a můj vztah k nim. Prozkoumala jsem Madonnu v opeře. Udělal jsem další velký kus a podíval se na mytologickou Penelopu epickou práci tkaní a neochvějnosti, abych prozkoumal bolest čekání a přijetí, čerpající z smrti mé matky. Tyto pořady často zahrnovaly videoprojekce (na videu jsem zpívala duet Henryho Purcella), propracované sestavy a někdy i další zpěváky a tanečnice.
DW: Jak jste se jako osoba, která se zajímala o umění, vyvinula ve výkonného umělce.
Po letech promítání v divadlech jsem se začal cítit opravdu omezený rovinností divadelního proscenia a vzdáleností diváků pasivně sedících v temném divadle. Kolem toho času mě pozvali Rosenbachovo muzeum a knihovna ve Filadelfii, abych vytvořil kus v reakci na jejich sbírku vzácných knih a dekorativní umění.
Byl jsem fascinován tím, jak bratři Rosenbachové použili své sbírky, aby se znovu objevili: Vyrostli jako synové středních tříd židovských obchodníků, kteří zkrachovali, ale protože bratři shromáždili jmění z prodeje vzácných knih ve dvacátých letech, převzali opulentní životní styl anglických venkovských pánů. Můj výkon vzal publikum na prohlídku muzea se zaměřením na objekty, které předstíraly, že jsou něčím jiným - zrcadla čínské kuchyně, empírový nábytek, kovaná Shakespearova folia - aby prozkoumaly, jak používáme naše objekty k předefinování.
Díky provedení Rosenbachovy show jsem si uvědomil, že mě tolik nezajímá tvorba „jevištní magie“, která by publikum přenesla někam jinam. Opravdu jsem chtěl udělat to, abych je doslova prošel místy a odhalil jejich skrytou historii prostřednictvím jakéhokoli turné s písní.
Od té doby jsem vedl posluchače botanickou zahradou z 18. století, viktoriánským hřbitovem (oba ve Philly), na malé lodi cestující po řece přes centrum Melbourne v Austrálii a ven do lodních uliček a v soukromé v -home divadlo navržené Leonem Bakstem ve dvacátých letech v suterénu sídla v Baltimoru. Ve všech těchto dílech byl mým hlavním zájmem probudit publikum, aby prožil zážitek z pobytu na místě - vůni a chuť bylin v kuchyňské zahradě, vítr ve stromech a vlaštovky živící se hmyzem na hřbitově, obří kontejnerové lodě, které zakroužkovaly naši malou loď na řece a úhel zapadajícího slunce za soumraku. Ve svých představeních jsem začal mluvit stále méně a nechal web a mé objekty mluvit více.
Zpěv byl vždy v mé umělecké praxi klíčový. Je to pro mě pravděpodobně nejdůležitější způsob vyjádření. Mám pocit, že mi to umožňuje komunikovat s publikem mnohem hlouběji, než mluvím. Umožňuje jiný druh emocionálního kontaktu. Jako člen publika dostávám takové emoce, když cítím vibraci hlasu zpěváka - zejména zblízka - ve svém vlastním těle. Vím, jak mocné to může být. Zpěv mi také umožňuje prozkoumat a aktivovat akustiku těchto prostorů a vyvolat vzpomínky na lidi, kteří tam kdysi žili a pracovali. Je to skoro jako když kouzlem vynáším jejich duchy.
Když jsem se v roce 2008 přestěhoval do Austrálie, měl jsem neuvěřitelnou příležitost a svobodu experimentovat se svou prací, zkoušet nové věci a odhodit ostatní. Tehdy jsem přestal zpívat barokní hudbu, protože jsem chtěl trávit více času tvorbou předmětů a kostýmů a méně času udržováním mého hlasu ve formě. Musíte být jako profesionální sportovec, abyste zpívali tuto hudbu - zpívali několik hodin denně 5 až 6 dní v týdnu. Když jsem začal v Austrálii pracovat na viktoriánské smuteční kultuře, znovu jsem se spojil s Appalachianskou lidovou hudbou a pokračoval jsem v hledání jeho strašidelných melodií a textů, které jsou tak vhodné pro vyjádření touhy a ztráty. Také mě opravdu zajímá, jak anglo-irští imigranti přinesli tyto písně do Ameriky jako památku domovů, které zanechali. Jsem fascinován tím, jak lidé používají lidové písmo k tomu, aby se spojili s lidmi a místy, které ztratili, a aby vyjádřili pocity, které nejsou schopni nebo nesmějí vyjádřit ve zdvořilé společnosti.
Mám zájem vzít publikum na fyzickou cestu časem a prostorem, často je doslova procházet webem. Chci je ale také vzít na emocionální cestu prostřednictvím hudby a vizuálních obrazů, které vytvářím - povzbuzovat je, aby přemýšleli o svých vlastních životech a vlastních ztrátách.
DW: Na závěr, co doufáte, že dosáhnete při tvorbě a provedení tohoto díla?
Myslím, že doufám, že s představením dosáhnu několika věcí: Rád bych vytvořil zážitek pro publikum, které je probudí na místo Velké síně - k úžasné akustice, velké architektuře a „skryté“ historii jeho používat jako dočasnou nemocnici během občanské války, kde vojáci zemřeli.
Chtěl bych, aby diváci přemýšleli o objemu ztrát během občanské války před 150 lety a možná o tom, jak to souvisí se současnými ztrátami, které zažíváme v probíhajících konfliktech v oblasti Perského zálivu a ve stupňujícím se rasovém násilí, ke kterému dochází v celé zemi. právě teď.
Nakonec bych rád vyzval publikum, aby přemýšlelo o svých vlastních životech a vlastních ztrátách a abych měl příležitost podílet se na společném okamžiku zármutku a obnovy. To je asi hodně, na co se mohu zeptat publika, ale na tom pracuji při vývoji projektu.
18. září 2015 zahájí Národní galerie portrétů výstavu „Temná pole republiky“. Alexander Gardner Fotografie, 1859-72. “Martha McDonaldová debutuje svou prací v rámci umělecké série performance„ Identify “, která bude uvedena v letošním roce v Národní galerii portrétů 17. října 2015 v 13 hodin.
